Amplify en Mutek AR

Amplify

LAS MUJERES DEL MUTEK AR

AMPLIFY es una iniciativa ambiciosa que conecta una red activa de 20 mujeres artistas y curadoras trabajando en las artes digitales, realidad virtual, realidad aumentada y proyectos inmersivos de narrativa en Argentina, Canadá, México, Venezuela y Gran Bretaña.

MUTEK es una plataforma para la diseminación y el desarrollo de la creatividad digital en el sonido, la música y las artes audio-visuales. El proyecto está activo en Montreal, Québec, Canadá, desde el año 2000 y hoy en día es una red global con ediciones en México, España, Japón, Estados Unidos, Emiratos Árabes y Argentina.



AMPLIFY se construye sobre conexiones existentes en América y Gran Bretaña, y suma una conversación entre América del Sur y del Norte, para amplificar oportunidades para artistas y curadoras para ganar terreno en un entorno internacional en crecimiento. Conectando diferentes culturas y experiencias, la red activa una plataforma para dialogar sobre accesibilidad, inclusión e igualdad de género entre los profesionales de la industria local e internacional. La red AMPLIFY tendrá lugar primero en el festival MUTEK Montreal, entre el 20 y 26 de agosto de 2018. Las participantes se involucrarán en una serie de talleres, laboratorios creativos, performances y muestras como parte del programa local Keychange, dedicado a empoderar a las mujeres en el ámbito de las artes digitales y la música electrónica, para iluminar, destacar y contribuir al cambio cultural en torno a la inclusión y paridad de oportunidades. A lo largo de 2018-2019 varias de las artistas y curadores que participen del programa AMPLIFY se embarcarán en un tránsito intercontinental que continuará en Buenos Aires y México, para finalmente reconectar con Gran Bretaña, en los Somerset House Studios de Londres.AMPLIFY Buenos Aires | Programa Miércoles 12.09 | Digi Lab x Amplify | Casa MUTEK (Music Hub)19.00H StoryHackers workshop x M. Laura Ruggiero Viernes 14.09 | A/Visions 2 | Sala ab | El Cultural San Martín22.00H Akufen CA | Visuales x Milena Pafundi ARTickets Viernes 14.09 | Play 1 x Artlab | Sala 3 | El Cultural San Martín18.15H France Jobin CA visuales x Prifma AREntrada libre y gratuita. Capacidad limitada Viernes 14.09 | Play 1 Outdoor Stage | Plaza Seca | El Cultural San Martín18.45H Microhm MX pres. Eternal NightEntrada libre y gratuita. Capacidad limitada Viernes 14.09 | Nocturno 1 | La Tangente24.30H Aylu AR Tickets Sábado 15.09 | A/Visions 3 | Sala ab | El Cultural San Martín17.00H Sabrina Ratté & Roger Tellier-Craig CA

18.45H Line Katcho CA pres. Sémaphore + Simulacre
Tickets Sábado 15.09 | Play 2 x Artlab | Sala 3 | El Cultural San Martín19.45H Marija Bozinovska Jones UK20.30H Myriam Bleau CA pres. Soft RevolversEntrada libre y gratuita. Capacidad limitada Sábado 15.09 | Digi Lab | Sala e | El Cultural San Martín19.30H Maia Koenig & Feminoise AR pres. EXEEntrada libre y gratuita. Capacidad limitada Sábado 15.09 | Digi Lab | Sala 1 Microcine | CCGSM (Centro Cultural General San Martín)16.30H AMPLIFY: Simposio. Identificacion y visibilización de colectivos y proyectos para amplificar mujeres, trans y no binaries en las artes digitales x M. Laura Ruggiero AR, Milena Pafundi AR, Maia Koenig AR y más.18.30H Presentation on Somerset House Studios x Marie McPartlin UKEntrada libre y gratuita. Capacidad limitada Sábado 15.09 | Nocturno 2 | Punta Carrasco02.30H Magnanime CA + info: http://www.mutek.org/

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HOORNIK 2018 – Powered by RYOKAN

Gustavo Santaolalla

Gustavo Santaolalla

MASTERCLASS EN PARK HYATT BUENOS AIRES

Por Hoornik

El 14 de septiembre a las 20:00 se llevará a cabo un encuentro exclusivo que tiene de protagonistas al artista Gustavo Santaolalla y a los chefs Antonio Soriano, Matías Rouaux y Damián Betular. 

 

Un encuentro íntimo con Gustavo Santaolalla en el marco de su tour #Desandandoelcamino. El exclusivo evento comienza en el Salón Posadas con un encuentro de charlas y música, seguido por una cena inspirada en el camino “desandado” desde Ushuaia a la Quiaca, en Gioia Restaurante & Terrazas. El menú de tres pasos a cargo de los chefs Antonio Soriano, Matías Rouaux y Damián Betular cuenta con el maridaje de los vinos de la bodega Cielo y Tierra, creada por el músico.

Viernes 14 de septiembre, a las 20 HS. Precio por persona $2500
Para reservas: celebrations.phbuenosaires@hyatt.com

Gustavo Santaolalla es dueño de la bodega Cielo y Tierra, Compositor, Músico, Productor Musical, Documentalista, líder de BajoFondo, propietario de un sello discográfico, Emprendedor, Winemaker y ARTISTA. Es realizador de bandas de sonido para cine, donde ganó 2 premios Oscars por las películas Babel y Secreto en la Montaña. También compone la música para el videogame The Last Of Us. 

 

Además ganó 19 Grammys, 2 Baftas, 1 Golden Globe, Premios Gardel, Premios Konex y muchas más distinciones internacionales. La Revista Time lo nombró como uno de los 25 hispanos más influyentes en Estados Unidos. Durante el 2018 recibió el título de Profesor Honorario de la prestigiosa Universidad de Buenos Aires. Actualmente se encuentra de gira por Latinoamérica presentando su tour #DesandandoElCamino

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Sonia Becce

Sonia Becce

SENTIR EL ARTE

Por Hoornik

Sonia Becce es curadora independiente, argentina, radicada en Buenos Aires. La larga lista de importantes instituciones internacionales que han exhibido sus proyectos curatoriales incluye: Museo Reina Sofía en Madrid; Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn en Washington D.C, New Museum en Nueva York, Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC en México D.F; Espaço Cultural Renato Russo en Brasilia, Museo Nacional de Arte Moderno Carlos Mérida en Guatemala; Museo del Canal en Panamá, Museo Jacobo Borges en Caracas, Museo de Arte Contemporáneo en Santiago de Chile, entre otras.

Tus comienzos en el mundo del arte están vinculados al artista Guillermo Kuitca y su obra. ¿Cómo fueron esos primeros pasos tan decisivos para tu carrera?

A Guillermo lo conozco desde que tenía 14 años. Me lo presentó una amiga en la época en que él estaba haciendo su segunda muestra individual en una galería y nos hicimos amigos. En los 80 había mucha intensidad cultural y también social. En ese momento yo estaba estudiando ingeniería, pero me empecé a interiorizar con el mundo del arte, me interesaba, era curiosa, aunque nunca me imaginé que iba a terminar haciendo lo que hago. Con los años, Guillermo creció mucho muy rápido y empezó a necesitar alguien que lo ayude, así que así arrancamos. Hacía de todo, era cadete, escribía faxes, cartas, respondía llamadas, me encargaba de su agenda. Para mí fue una propuesta lindísima y nada volvió a ser lo mismo. Guillermo ha sido siempre un estímulo muy fuerte; a medida que su trabajo progresaba me fue metiendo a mí en otros mundos. Por ese entonces mi techo era bajo, lo hablamos mucho con él en su momento, y me insistió en que algo tenía que hacer con esto. Me invitaron a participar de los meses previos de la edición de Documenta del año 92 – una de las exposiciones de arte contemporáneo más importantes del mundo que se realiza en Kassel, Alemania cada cuatro años – y acepté ir, empecé a trabajar cerca de los curadores aunque no participaba de las decisiones curatoriales sino que era más bien una oyente, una nube alrededor de los curadores, pero aprendí mucho. Luego llegó una oportunidad de irme a Bard College por un semestre; podría haberme ido por más tiempo, pero en ese entonces tenía un hijo de 3 años y no lo podía dejar, no lo quería dejar. A pesar de la brevedad, esa experiencia produjo grandes cambios, en mí y en las oportunidades que se abrieron a partir de allí. Haber estado cerca de la génesis del trabajo de Guillermo durante tantos años lo considero un lujo. Además de ser un excepcional artista tiene una gran capacidad de elaboración, sus ideas son más amplias que sus obras, de manera que sus consejos y su punto de vista para mí son inconmensurables.

En los últimos años, tu carrera como curadora independiente te ha llevado a participar en decenas de proyectos en todo el mundo. ¿Cómo elegís esos proyectos y qué artistas te acompañarán en cada uno?

 

Cada proyecto es diferente.  Hay quienes me convocan con alguna sugerencia de artista incluida y a partir de eso nos ponemos a trabajar sobre un tema, y otras veces lo propongo yo, con lo cual ya de algún modo está preformateado el proyecto. Elijo los artistas detectando sensibilidades, problemáticas que me interesa trabajar en cierto momento, pienso mucho en el lugar y el país al que va a ir la muestra, las necesidades que existen ahí y en qué podemos aportar a partir de un proyecto expositivo. Evalúo distintos aspectos, el artístico primero y después el geopolítico, para hacer algún señalamiento; lo político no lo esquivo.

 

¿Cuál creés que es el principal rol del curador en un escenario tan amplio como es del arte contemporáneo?

El rol del curador ha ido cambiando a lo largo de los años, es una nominación que no tiene tantísimos años, pero la función sí. Antes tal vez la ejercía un crítico de arte, un historiador, el mismo artista, el galerista o el director de un museo. El curador trabaja de distintas formas. A veces pone en evidencia ciertas problemáticas que detecta y suma aquellos artistas que le parece que se ajustan a eso que quiere contar. Otras veces funciona al revés, tiene un artista en mente que le resulta interesante y arma una retrospectiva o una investigación de cierto período de su obra y después busca exhibirla en espacios que hoy pueden ser muy variados, la sala de un museo, espacios tomados, una fundación, una galería, todo es posible. Después con todo armado, el artistas, las obras y el espacio, queda la tarea no menor de escribir sobre eso e intentar abrir nuevas fuentes de pensamiento, nuevas lecturas, nuevos canales que otros puedan tomar. Lo importante es la circulación, contribuir al flujo de la obra, no quedarse quieto. La plataforma de ARCO2017, creada para la participación de la Argentina en la feria del próximo año en Madrid, es un buen ejemplo de esto. Nuestro objetivo principal es que todos los artistas y profesionales que irán puedan nutrir sus agendas con otros nombres, que tal vez no son a los que están acostumbrados, artistas de distintas generaciones, algunos conocidos y otros desconocidos, y que críticos y curadores de todo el mundo se interesen por sus trabajos, los sumen a sus proyectos porque abordan un tema en el que están trabajando o simplemente escriban sobre ellos.

La entrevista completa se está publicada en la sexta edición de Hoornik. Comprá la versión impresa o descargá la digital de manera gratuita en la tienda de este sitio.

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Galería Revolver

Galería Revolver

GIANCARLO SCAGLIA APUNTA ALTO

Por Mariana Gioiosa

El artista y galerista nació en el 81 en Lima, Peru, en una época de conflicto interno, terrorismo y guerra civil. El taller de Giancarlo está montado en una isla sobre los escombros de una prisión abandonada en donde murieron 118 presidiarios sederistas que cayeron en el motín de 1986. Los huecos que dejaron las ametralladoras de los disparo de los militares sobre restos de paredes y las historias  que le contaron sus mayores de esa época, le sirvieron al a Scaglia de inspiración para algunas de sus impactantes series como¨ Stellar¨ y ¨Paisaje¨.

La Galería que fundó se llama ¨Revolver¨, pero nada tiene que ver con la responsabilidad que siente Giancarlo de plasmar esos hechos con arte. Revolver en sus orígenes se pensó con el acento prosódico en la segunda vocal, haciendo referencia a darle la vuelta al arte local. Las muestras no quedaron tampoco impregnadas de ese tinte político, aunque alguna de las obras puede hacer alguna evocación, sinó que abordan temáticas ligadas a la naturaleza y problemáticas del ser humano y representa a una nueva generación de artistas contemporáneos

¨Revolver¨ es la voz de muchos artistas que no se sentían identificados con los espacios exhibitorios que había en Lima y sorprende a los amantes del arte con interesantes propuestas. En mayo de este año aterrizó en Buenos Aires con un grupo estable rotativo de artistas peruanos y  otros internacionales para provocar revuelo en el escenario porteño

¿Cómo surgió la idea de armar la Galería?

Surgió como una necesidad. Nos sucedía a un grupo de artistas de mi generación que no encontrábamos una buena representación para nuestros trabajos dentro de Lima, entonces armé una galería propia que le diera la vuelta al sistema de galerías que estaba establecido en esa ciudad

¿Cómo se vincula tu obra con tu rol de galerista?

Considero que Revolver es parte de mi obra. Estoy pensando continuamente en estrategias y qué quiero comunicar. Si no fuera artista no tendría la galería porque mi motor principal  es que se conozcan en este mundo los trabajos de la generación a la que pertenezco. En una exhibición grupal miro a todas las obras como una unidad, una oración articulada por distintas palabras, una gran obra de arte.

¿Hacia dónde va de Revolver?

La galería se fundó en Lima en el 2008 y  junto a los artistas que represento y al equipo que me acompaña tenemos ganas de seguir expandiéndonos. En su noveno aniversario se estableció también en Buenos Aires como  primer paso por Sudamérica. Seguimos esquemas de otras galerías y proyectos italianos o suizos que pueden manejar varios programas paralelos.

¿Y por qué elegiste Buenos Aires?

arteBA me inspiró también para armar la galería. Después de recorrerla junto a un grupo de amigos artistas nos dieron ganas de participar y como se necesita cierta organización que nos represente nos plateamos ¨¿y si armamos una galería y nos presentamos en este espacio?¨. Ese fue un gran impulso para Revolver. No fue algo mágico pero de a poco lo hicimos posible. Comenzamos  con muestras más chicas en Perú, juntamos algo de dinero y logramos llegar a arteBA el próximo año. Le tomé mucho cariño a esta ciudad que nos vio empezar, además aquí tengo muy buena relación con las instituciones, amigos artistas y coleccionistas. La comodidad de estar con gente querida y que Buenos Aires es uno de los focos con mayor crecimiento de artes visuales en Latinoamérica son dos motivos importantes para tomar este tipo de decisiones.

¿Cómo ingresaron a Art Basel, que es una de las ferias de arte más importantes a nivel internacional?

“A puro huevos¨, lo bueno de ser galerista y  artista es que lo apostás  todo hasta el momento que te va bien y así lo hice. Como la típica historia: al comienzo apareces para posicionarte, no vendés nada pero es una buena publicidad y luego la imagen de la galería crece, se acercan clientes y el espacio se hace más conocido. Luego de seis años puedo decir con orgullo que es nuestra principal feria y la más importante para nosotros a nivel ventas

¿Cómo fue que llegaron a Revolver artistas internacionales?

El primer artista internacional fue Matías Duvil, que acompaña a Revolver desde casi el inicio. Después se sumaron el artista italiano Andrea Galvani y la polaca Marlena Kudlicka, entre otros. Los incluimos a ellos porque queremos darle a la galería un perfil  internacional.

¿Cuál es el criterio de selección que se toma en las distintas muestras?

Me considero muy intuitivo en la elección de las obras y armado de un discurso visual y conceptual, pero al mismo tiempo la galería establece una relación horizontal con los artistas. Tengo mucha interacción con ellos y su participación resulta crucial en la construcción de cada muestra.  Les hago pregunta como: ¨¿Qué pensás de esto? ¿Con qué obra de tal conectarías tu trabajo? ¿Qué te parece tal título?¨ Ese diálogo constante que mantengo con ellos marcan la diferencia cuando se presenta una exhibición

¿Y sobre las primeras muestras que se hicieron en Buenos Aires?

En la primera muestra  que se realizó en la galería de Villa Crespo, ¨Paisaje Infinito de la costa del Perú¨, me preocupé  en mostrar a un grupo de artistas en el comienzo un diálogo. 

En esta exhibición algunos de los artistas más representativos de Revolver, como Alberto Borea, Matías Duville, Andrea Galvani, Philippe Gruenberg, entre otros, rindieron homenaje a la serie iniciada por Jorge Eduardo Eielson en 1957 en la ¨deconstrucción¨ visual de la costa peruana a partir de uso del color, la textura y el espacio. 

Dos meses después presentamos TheStructure, otra muestra  grupal con destacados artistas que participan en nuestra galería  como Gabriel Chaile , Alberto Borea , Marlena Kudlicka , y Elena Damiani . En esta oportunidad se les propuso a los artistas una indagación sobre sus propios esquemas y arquitecturas mentales, poniendo en juego sus obsesiones y pensamientos. Con todas las muestras mi intención es establecer una comunicación entre el espectador y la propuesta. Porque el arte es finalmente eso, comunicación.

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Alejandro Pasquale

Alejandro Pasquale

MÁSCARAS VIVAS

Por Hoornik

Alejandro Pasquale nació en Buenos Aires en 1984. Se declara a sí mismo autodidacta, aunque ha pasado formalmente por las aulas del Profesorado en Artes Plásticas en el IUPA (Instituto Universitario Patagónico de las Artes) en la ciudad de General Roca (Río Negro) y el IUNA (Instituto Universitario Nacional de Artes, hoy universidad) en Buenos Aires. 

“Me aburrí muy rápido del formato académico. Nunca me convenció el hecho de tener tanta cantidad de materias y tan poco taller. Como no me interesa dar clases teóricas, no creí que para llevar a cabo la práctica fuese necesario obtener un título”, recuerda el artista. Después de la universidad devino la exploración de maestros y talleres de artistas, entre ellos el reconocido Eduardo Stupía.

Sobre sus Inicios. “Podría decir que comencé desde muy chico, supongo que como para muchos de nosotros el dibujar y pintar fue parte de mis primeros juegos. Pasaba horas concentrado con un mecano de chapa, un camión, y una lata/cartuchera de acuarelas. La pintura y el dibujo reaparecieron fuerte en mi vida a eso de los 16 años, en ese momento vivía en un pueblo al N.O. de Neuquén. No tenía fácil acceso a materiales ni tampoco a internet como para poder ver obras o artistas, así que mi acercamiento al arte fue neutral e intuitivo. Pintaba lo que sea, paneles de madera, telas crudas, cartones, paredes. Con los años dejó de ser un juego y se transformó en una especie de refugio. Empecé a pintar luego de que me llegara a las manos una caja de oleos chinos y me di cuenta que mi interés por la profesión iba por ese lado.”

Sobre sus referentes. “En cuanto a referentes, van muy a la par del momento en el que esté con mi obra. Puedo mencionar muchos artistas que me interesan mucho. Menciono una pequeña lista según me vienen a la mente: Francis Bacon, Francisco de Goya, Michael Borremans, Gerhard Richter, Diego Velázquez, Seurat (más que nada sus dibujos), Liliana Porter, Luc Tuymans, Nan Goldin, Marta Minujín, Lucian Freud, Touluse-Lautrec, Roy Linchestein, Antonio Berni, De La Vega, Alex Katz, David Hockney, E. Hooper, Johannes Vermeer, A. Giacometti, Balthus, Egon Schiele, Franz Gertsch, Chuck Close, Neo Rauch, Caspar D.Friedrich, Mark Tansey. La lista puede ser interminable.”

Sobre sus obras. “En la serie de pinturas y dibujos que estoy haciendo en este momento intento mostrar más allá de un relato físico generado desde los personajes retratados; compongo con la idea de expresar mundos o escenas que son creados a través de la imaginación de los sujetos. En este sentido, utilizo las máscaras que cubren sus rostros como alegoría de la liberación del imaginario. Considero que al esconder parcial o completamente sus rostros, el espectador se hará preguntas y surgirá el “porqué” de la escena en la que están suspendidos. Desde mi concepción de la obra, todo surge a partir de la idea de retratar el momento en el cual aflora la imaginación del observador y se traslada a un cierto lugar, a una situación deseada, a un entorno copado por la naturaleza representada de forma idealizada y con una atmósfera onírica.”

Sobre el arte y los artistas. “Creo que hay artistas excelentes, tanto emergentes como consagrados. En lo personal, me gusta ver que se está volviendo a valorar el oficio en el arte tanto local como global.”

 

Sobre la rutina. “Pinto todos los días, inclusive los fines de semana. Es mi trabajo y lo tomo como tal. Dedico el tiempo y la energía necesaria para producir cada día. Como en cualquier trabajo, algunos días son mejores que otros, pero de ambos se puede aprender y sacar provecho. Por lo general, estoy con dos obras a la vez; desde que trabajo con óleo, el tiempo de secado me obliga a esperar para que no se empaste la pintura. Mientras seca una, trabajo con la otra, y viceversa. El tiempo que tardo el producir cada obra es variable y dependen del material con el que esté hecha, en promedio puedo tardar entre dos semanas y un mes.”

Sobre proyectos futuros. “Estoy preparando mi segunda muestra individual en Galería Quimera; se llamará ´El jardín de los soñadores´ e inaugura a mediados de Octubre y durará hasta finales de Noviembre. Presentaré alrededor de 11 obras (dibujos, pinturas y cerámica) de la serie de las máscaras, de la cual lleva el nombre. La muestra incluye un catálogo en formato librito que incluirá imágenes de mis obras, textos de Bruno Devos (Director de “The importance of being”) y Cecilia Medina (Curadora), entre otros.

Sobre sus galerías. Tengo mi taller en el barrio de Belgrano (Buenos Aires). En argentina me representa la galería Quimera y en París trabajo con la ex directora de Baraudou, Schriqui Galerie.

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Gaspar Libedinsky

Gaspar Libedinsky

Gaspar Libedinsky

ARTISTA

Kunstformen der Natur

La exposición se puede visitar en Praxis galería de arte. Arenales 1331.

Ernst Haeckl (1834 – 1919) fue un naturalista y filósofo alemán que popularizó el trabajo de Charles Darwin, creando nuevos términos tales como «ecología».
Es considerado uno de los grandes ilustradores del mundo natural del siglo XIX.

Kunstformen del Natur (Formas artísticas de la naturaleza, 1904) es un libro de 100 litografías representando varios de los tipos de organismos vivos, muchos de los cuales fueron descriptos por primera vez por el propio Haekel. El libro hace especial foco en sus aportes a los estudios de los invertebrados marinos, como las medusas y las esponjas.

Kunstformen der Natur influyó en el arte, la arquitectura y el diseño de principios del siglo XX, enlazando ciencia y arte. Bajo el mismo título, Gaspar Libedinsky presenta su obra pictórica.

 

 

Una progresión de precisas
operaciones físicas,

comprensión, tensión, rotación,
generan la obra pictórica.

Cada escobillón es una pincelada.
El peinado de sus coloridas cerdas sintéticas expresa
una diversidad de intenciones plásticas con menor y mayor
grado de control y accidente.

Estas composiciones pictóricas
plasman un universo explosivo de emociones
que remiten a la naturaleza más salvaje:
aquella que aún falta por descubrir.

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Ezequiel Montero Swinnen

Ezequiel Montero Zwinnen

ARTISTA

La mayoría de mis obras son derivados de las impresiones que me llevo de la observación de la naturaleza. El cielo, el horizonte, los pájaros, las nubes, el sol, el viento, las flores, las estrellas. Hay una belleza innegable en todo eso, que la percibo como simple y sagrada al mismo tiempo. Algo que parece estar mucho más allá de la dualidad de la mente humana. A veces todo lo que parece estático es increíblemente móvil, y lo que parece ser móvil parece estar clavado a la eternidad de un punto fijo. Me gusta observar la danza que sostiene la tensión de los opuestos. Y la gravedad, el magnetismo, que es la órbita que los conecta. Me interesa crear un espacio en el que las paradojas puedan reconciliarse, en el que el espíritu pueda percibirse con cuerpo o la materia, liviana en extremo. Me atrae especialmente la posibilidad de yuxtaponer el tiempo lineal con el tiempo cíclico, el instante con la duración, y observar qué sucede. Como lo vacío puede parecer lleno o lo lleno, muy vacío.

En general trabajo mucho con el aire. Creo que en el aire, y con el viento, los elementos se comportan de maneras inciertas pero 

genuinas: vuelan, flotan, caen, chocan, danzan, funcionan como aparatos suspendidos, escultóricos, silenciosos y pausados. Me interesa experimentar el movimiento en la dimensión atemporal. La idea de construir un presente infinito, ausente de memoria singular. Sin mucho contexto a la vista, se genera una gran sensación de desnudez ligada al vacío.

Muchas veces los sueños también me resultan inspiradores. Allí las cosas se conectan de un modo extra-ordinario. Cualquier cosa es posible en la lógica de los sueños. Lo interesante es que lo que parece no tener ningún sentido en un primer vistazo, luego lo tiene siempre, sorprendentemente. Son como símbolos vivos, enigmáticos, misteriosos, se siguen moviendo y diciendo cosas nuevas todo el tiempo. Pequeños diamantes en movimiento. Me gusta ver mi propia obra de ese modo.

Ezequiel Montero Swinnen, Hoornik #2

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Historia de dos mundos

Historia de dos mundos

Más de 500 obras en el Museo de Arte Moderno

Por Hoornik

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires reabrió sus puertas después de casi dos meses cerrado al público para la inauguración de la exposición Historia de dos mundos: Arte experimental latinoamericano en diálogo con la colección MMK, 1944–1989, realizada en colaboración con el Museum für  Moderne Kunst de Frankfurt (MMK). La gran apertura además incluyó 4 nuevas salas de exhibición, un café, una tienda y nuevos espacios.

La exhibición, conceptualizada y curada conjuntamente por la directora del Moderno, Victoria Noorthoorn, el curador senior del museo Javier Villa y el curador del MMK Klaus Görner, ocupa la totalidad de las salas del nuevo Museo hasta el 14 de octubre. Incluye unas 500 obras provenientes de los patrimonios de ambos museos y de colecciones privadas y públicas de distintos países, realizadas por 100 artistas y colectivos de América Latina, Estados Unidos y Europa.

En esta Historia de dos mundos no hay movimientos artísticos principales y secundarios, no hay “aportes” ni “contribuciones”: hay, sí, dos poderosas corrientes artísticas, la del arte europeo-norteamericano y la del latinoamericano, que a lo largo del tiempo a veces han fluido paralelas, otras se han juntado o cruzado; autónomas en lo que respecta a su identidad y a las maneras de relacionarse con sus respectivas realidades, interdependientes en lo que hace a su diálogo, sus colaboraciones, sus polémicas, sus rechazos”. En esta nueva visión de la historia, el arte latinoamericano no completa ni complementa ni llena el casillero de la diferencia, sino que conforma, en orgullosa paridad de hermanos —a veces fraternos, a veces rivales— un arte global y diverso, combativo y democrático”, como se lee en el texto curatorial.  

Historia de dos mundos comienza explorando la gran agitación que sacudió los cimientos del arte latinoamericano en los años cuarenta y desató una intensa corriente experimental en numerosas ciudades. También indaga en el modo en que los artistas pensaron su rol en la sociedad y en el potencial del arte para transformarla, como respuesta a contextos muchas veces conflictivos. Pretende así suscitar un debate sobre las reacciones de los artistas ante sus diferentes entornos sociopolíticos.

La exposición también pone en evidencia cómo variaron a lo largo de esta historia los términos del diálogo entre el mundo artístico europeo y el latinoamericano. A grandes rasgos, durante las primeras décadas del siglo XX el arte latinoamericano se desarrolló como respuesta a las vanguardias europeas. Con el advenimiento de la Segunda Guerra Mundial, los artistas de Latinoamérica suspendieron sus viajes de 

formación a Europa y desarrollaron sus propias utopías en los círculos intelectuales locales. En algunos casos, los que trabajaban en Europa viajaron a América Latina, donde pudieron desarrollar sus prácticas en diálogo con los movimientos locales.

Más adelante, ya en el período de posguerra, los artistas reemprendieron sus viajes por el mundo y el diálogo se volvió más rico y complejo. Durante los años sesenta, muchos artistas de todo el mundo compartieron preocupaciones e intereses, generalmente relacionados con cuestiones como el crecimiento de los medios de comunicación y del consumo masivo, o la condena a la violencia gubernamental, manifestada en la guerra de Vietnam, la amenaza nuclear o las dictaduras latinoamericanas. A pesar de ello, también existieron disonancias, no sólo debido a las diferencias en los contextos sociopolíticos, sino también a los desiguales desarrollos económicos e institucionales de los escenarios artísticos.

Los artistas participantes:

En esta exposición, el Moderno exhibirá obras de los siguientes artistas: Adolfo Bernal, Albert Georg Riethausen, Alberto Greco, Alberto Heredia, Aldo Paparella, Aldo Sessa, Alejandro Puente, Alfredo Hlito, Alighiero Boetti, Amancio Williams, Ana Mendieta, Andy Warhol, Anna Maria Maiolino, Antonio Caro, Exposición de Arte Destructivo (Enrique Barilari, Kenneth Kemble,  Jorge López Anaya, Jorge Roiger, Antonio Seguí, Silvia Torrás, Luis Wells), Arthur Bispo do Rosário, Artur Barrio, Augusto de Campos, Beatriz González, Blinky Palermo, Bruce Nauman, Carmelo Arden Quin, Carlos Raúl Villanueva, Charlotte Posenenske, Cildo Meireles, David Lamelas, Edgardo Antonio Vigo, Eduardo Clark, Eduardo Gil, Edward Ruscha, Emilio Renart, Escuela de Valparaíso, Flávio de Carvalho, Francis Bacon, Franz Mon, Fred Sandback, Gego, Geraldo de Barros, Gerhard Richter, Grete Stern, Gyula Kosice, Hélio Oiticica, Hildegard Weber, Iván Cardoso, Jasper Johns, Jesús Ruiz Durand, Jo Baer, John Chamberlain, Joseph Beuys, Juan Andrés Bello, Juan del Prete, Juan Downey, Juan N. Melé, Kenneth Kemble, Lenora de Barros, León Ferrari, Leopoldo Maler, Lidy Prati, Liliana Maresca, Liliana Porter, Lotty Rosenfeld, Lucio Fontana, Lucio Costa, Luis Camnitzer, Luis Felipe Noé, Luis Pazos, Lygia Clark, Lygia Pape, Manolo Millares, Marcel Broodthaers, Marcel Gautherot, Margarita Paksa, Marta Minujín, Martin Blaszko, Mathias Goeritz, Mira Schendel, Morris Louis, Nicolás García Uriburu, On Kawara, Oscar Bony, Oscar Niemeyer, Pablo Suárez, Paul Almásy, Peter Roehr, Piero Manzoni, Raúl Lozza, Rhod Rothfuss, Ricardo Carreira, Richard Serra, Roy Lichtenstein, Rubén Santantonín, Teresa Burga, Thomas Bayrle, Thomas Farkas, Timm Rautert, Tomás Maldonado, Ulises Carrión, Víctor Grippo, Walter De Maria, Willys De Castro, Yente e Yves Klein.

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Rodrigo Alonso

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Rodrigo Alonso

EL ESPECIALISTA

Por Ana Peralta

Asegura Rodrigo Alonso que cuando comenzó a estudiar tenía la intención de ser crítico cinematográfico; había estudiado en el Instituto Nacional de Cinematografía en los ´80 y aunque se había inclinado hacia la teoría y el análisis del cine mudo y experimental, descubrió que mientras más se especializaba más dejaba de interesarle. Ya no había experimentación cinematográfica y los grandes autores estaban desapareciendo. En 1986, la muerte de Andrei Tarkovski, uno de los directores que más lo habían influenciado, pone punto final a esa búsqueda.

¿Cómo fueron tus comienzos dentro del mundo del arte?

Empezó con mi interés por el videoclip; me parecía que a nivel audiovisual era uno de los géneros más experimentales. Nunca se me ocurrió volcarme hacia las artes plásticas porque era un ámbito totalmente desconocido. Vengo de una familia muy humilde, nunca tuve formación artística y hasta ese momento jamás había ido a un museo. Fue recién en 1993 que gracias a Graciela Taquini descubro el videoarte. Me impactó muchísimo, me puse a estudiar y a investigar; entré en contacto con artistas locales y me especialicé teóricamente en el tema. Durante muchos años me mantuve en el ámbito del estudio y de la crítica, hasta que empezaron a surgir oportunidades de armar muestras y exposiciones con criterio curatorial (Bienal de Medellín, 1996; Museo Nacional de Bellas Artes, 1998). Como comencé a dar clases en la universidad siendo estudiante y desde entonces no dejé la docencia, honestamente pensé que nunca iba a salir de ese espacio. Pero de pronto, el videoarte se pone de moda, y las bienales se plagan de video. Repentinamente pasé de ser un desconocido a ser el “especialista” en videoarte. Se me abrieron las puertas de las principales instituciones artísticas, todo el mundo comenzó a llamarme y a proponerme trabajos. Los críticos de arte comenzaron a reconocerme y los artistas venían a presentarme sus proyectos.

Tal vez como consecuencia de este origen sencillo, Rodrigo Alonso relata sus primeras experiencias profesionales así, como una especie de destino que se fue tejiendo en el cruce de una serie de eventos afortunados y un impulso desprejuiciado. En algún momento cuenta, por ejemplo, que dio su primer curso en el Museo Nacional de Bellas Artes tras presentarle un proyecto a Jorge Glusberg, a quién no conocía personalmente; “fue un acto de inconsciencia que me salió bien”.  También recuerda que fue la admiración que sentía por quién había curado una muestra de Berni en Madrid, la que lo impulsó a acercarse a Laura Buccellato en una exposición de videoarte y presentarse. “No tenía idea de quién era Laura, ni siquiera sabía que era la subdirectora del ICI (Instituto de Cooperación Iberoamericana).

Pero ella me preguntó sobre mis actividades y me pidió que le acerque los textos que había escrito sobre videoarte. Después me propuso hacer algo en el Instituto.”

La prolífica carrera de más de 20 años que lo posiciona como uno de los curadores y críticos de arte más importantes de habla hispana demuestra que, si hay un hilo conductor en la carrera de Rodrigo Alonso, no ha sido el de las coincidencias o el azar, sino la suma de un agudo y consistente sentido del profesionalismo, una implacable vocación de estudio y su extraordinaria capacidad para traducir una extensísima teoría en una práctica fértil.

Conceptualmente podríamos decir muchas cosas acerca del arte, pero: ¿qué es el arte para Rodrigo Alonso?

El motivo por el cual muchas veces parece que no nos ponemos de acuerdo en cuanto a la valoración de la obra artística tiene que ver con dos complejidades convergentes. La primera, es que en verdad hay muchas definiciones de arte que dependen de los campos disciplinares desde los cuales se las aborda. Desde una visión antropológica de la cultura, por ejemplo, el arte es la necesidad de expresión del hombre y, como símbolo de esa cultura, expresa relaciones externas. Desde una perspectiva filosófica, el arte es un espacio de exploración del pensamiento. Personalmente entiendo el arte como profesión; un espacio donde trabajan y confluyen distintos profesionales que van desarrollando un producto estético. Según donde esté puesta la mirada, será como se evalúe la producción artística. Una segunda complejidad es que también hay distintas nociones sobre el arte al interior de su propio campo. No es lo mismo el arte moderno, que está basado en ciertos valores estéticos que pueden distinguirse con claridad, que el arte contemporáneo, donde esos valores ya no existen. De la imposibilidad de decodificar esta trama compleja que constituye el arte contemporáneo, a partir de los últimos años en la década del ´80 surgen los nuevos protagonistas del arte: agentes, curadores, galerías. Todos juntos van construyendo una noción de qué es el arte contemporáneo y qué es lo más interesante dentro de esa producción. La noción de arte se construye discursivamente, en un espacio de diálogo, donde la obra es un punto de confluencia dentro de toda esa red de relaciones.

Haciendo una recorrida por tus trabajos más significativos encontramos un marcado interés por el videoarte y el arte tecnológico en tus comienzos; el net art latinoamericano después; arte social, político y comunitario más recientemente. ¿Qué es lo que te interesa en la actualidad?

Empecé con el arte tecnológico básicamente porque estudié química primero y después arte; de la unión entre la ciencia y el arte nació mi interés por el arte tecnológico. Pero este terreno llegó a presentárseme como una suerte de gueto; son pocos los artistas que se dedican a él y me vinculé con casi todos, por eso en un momento sentí que ese espacio era limitado. Actualmente me dedico al arte contemporáneo en un sentido más amplio. Me interesa mucho la producción joven, saber cuáles son los rumbos nuevos dentro de la escena actual. Forma parte del rol característico del curador ese “descubrir” o darse cuenta hacia dónde va la producción artística. También hago muestras históricas, me dedico en particular a todo el arte que es posterior a la década del ´60, porque es ahí cuando empieza el germen de lo contemporáneo y lo que sucede en esos momentos es lo que nos permite comprender lo que está pasando ahora e intuir el futuro de la producción actual. Por ejemplo, en Sistemas, acciones y procesos, 1965-1975 (Fundación Proa, 2011), se ponía de manifiesto cómo el interés por el arte conceptual – es decir, el que da prioridad a las ideas sobre la realización material de las obras – fue paralelo al acercamiento a los desarrollos científicos de la época; en este momento, el video y el arte tecnológico hacen su aparición en la escena artística contemporánea.

Rodrigo Alonso

Algunas de sus muestras curatoriales más recientes son: ¡Afuera! Arte en espacios públicos (Córdoba, Argentina, con Gerardo Mosquera, 2010), Tales of Resistance and Change (Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, 2010), Situating No-Land (Slough Foundation, Philadelphia, 2011), Arqueologías a destiempo (Galería Gabriela Mistral, Santiago de Chile, 2012), Pop, realismos y política. Brasil/Argentina. 1960s (Fundación Proa, Buenos Aires; Museo Oscar Neimeyer, Curitiba; GAMEC, Bérgamo; Museo de Arte Moderno, Río de Janeiro, 2012-2013, con Paulo Herkenhoff), Biomediations (CENART, Laboratorio de 

Arte Alameda, México DF, 2014, junto a Sarah Cook), El museo de los mundos imaginarios (Museo de Arte Contemporáneo, Mar del Plata, 2014), Volátil felicidad. Relatos inmateriales de los noventas (Parque de la Memoria, Buenos Aires, 2015). En 2011 fue curador del Pabellón Argentino en la 54 Bienal Internacional de Arte de Venecia.

La nota completa fue publicada en HOORNIK #1. La edición digital se puede descargar ingresando a la sección TIENDA dentro de este sitio web.

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Venecia en clave verde

Venecia en clave verde

Nicolás García Uriburu y la coloración del Gran Canal

Homenaje a Nicolás García Uriburu en el Bellas Artes, a medio siglo de la coloración del Gran Canal de Venecia.

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta la exposición “Venecia en clave verde. Nicolás García Uriburu y la coloración del Gran Canal”, del 29 de junio al 30 de septiembre. La muestra conmemora los cincuenta años de la intervención del artista argentino en las aguas de Venecia, el 19 de junio de 1968. 

“Nicolás García Uriburu es un referente fundamental del land art y, a la vez, un pionero de la conciencia ecológica, que formuló con el lenguaje de la acción artística”, sostiene el director del Bellas Artes, Andrés Duprat. “Tiñiendo las aguas de los canales de Venecia durante la Bienal de 1968, proponía una doble lectura en un solo gesto: al restituir su coloración denunciaba la actividad humana que trastoca la naturaleza volviéndola un artificio inútil. Por otra parte, lo disruptivo de la 

acción, que se realizó en forma clandestina, sin amparo de las instituciones, ponía en cuestión el sistema de las artes, acorde al espíritu de la época”, agrega.

La exhibición, curada por Mariana Marchesi −directora artística del Museo−, se concentra en el período de 1968 a 1974, y reúne serigrafías, fotos intervenidas y piezas documentales referentes a la coloración de 1968 y otras coloraciones históricas, así como un selecto grupo de pinturas realizadas en esos años.

En el marco de la XXXIV Bienal de Venecia convulsionada tras los sucesos del Mayo Francés, García Uriburu llevó a cabo una acción artística que, con el tiempo, marcaría un momento determinante de su carrera. Con la coloración del Gran Canal –enmarcada dentro las tempranas manifestaciones de la performance y del conceptualismo–, el artista argentino reflexionó sobre el rol de la pintura y las alternativas estéticas de la vanguardia, que abogaba por la fusión del arte con la vida.

Tras algunos meses de investigación, optó por utilizar una sustancia fluorescente para teñir las aguas, dado que reunía las condiciones visuales y medioambientales necesarias: inofensivo para la flora y fauna, colorante verde y uniforme. Esta iniciativa fue el origen de las numerosas intervenciones en la naturaleza que el artista desarrolló en distintas aguas del mundo –en Buenos Aires, París, Bruselas, Londres–, y que marcó la dirección de sus obras posteriores, siempre signadas por su preocupación por el medioambiente. 

“Venecia en clave verde. Nicolás García Uriburu y la coloración del Gran Canal” puede visitarse del 29 de junio al 30 de septiembre en las salas 39 y 40 del Museo. 

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