Ernesto Arellano

Ernesto Arellano

ARTISTA

Las Fuentes: Deseo, placer y poder

Las fuentes de interior son recortes del cuadro del Bosco El Jardín de las Delicias que corresponden a la búsqueda de situaciones escultóricas específicas, que hay muchas. Este es un cuadro que se basa en la idea de la composición a través del dibujo, cosa que por un lado facilita la cuestión escultórica y por otro la hace difícil, porque son figurines planos. Cada una de las composiciones tiene que ver con el goce en relación simbólica, principalmente, con el madroño, una fruta muy preciada en el medioevo, un arbusto ornamental de tres metros de altura. Sus frutros son comestibles y tienen propiedades asombrosas, son  antioxidantes, antibióticas, astringentes y hepatotónicas y durante su maduración producen una fermentación natural de los azúcares que produce alcohol.

 

El Bosco es un compilador de determinados desarrollos científicos de la época. El cuadro es un catálogo de pájaros que existen, y también es un bestiario de animales fantáticos, que aperecen en un tamaño mucho menor, ligados al imaginario de las mentalidades del campesinado. Esta diferencia de escala refleja la importancia que el Bosco le otorga a la ciencia, el deseo está puesto en la transmisión del conocimiento científico como si fuera un alimento. El poder político, por su parte, coloca al hombre y la mujer en pie de igualdad, en los cuadros del Bosco son figuras intercambiables donde no existe una jerarquía, la asexuación que se percibe tiende a remarcar esa idea.

Ernesto Arellano, 2018.

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Germán Paley

Germán Paley

ARTISTA

NEOLIBERAME
Del 29 de junio al 2 de septiembre
Museo de Bellas Artes de La Plata

«Neoliberame es una investigación artística que surge por necesidad, o diría que me puse a hacer casi arrojado por la angustia cotidiana que me produce vivir en un sistema que dificulta el bienestar y en el que las posibilidades materiales se reducen hasta acogotarse…ahí está uno, tratando de vivir y viendo cómo ser feliz. 

Creo que el origen de este proceso de obra comienza así, como una forma de zafar de la tristeza que me produce la alegría, como una respuesta a tantas preguntas que me hago en torno a la dimensión económica (e inevitablemente política): ¿Cómo se usa el dinero?

 

¿Cómo nos usa la economía? ¿Cuánto vive un billete? ¿Para qué alcanza la plata? ¿A quién alcanza el arte? ¿Cuál es el capital de las palabras?
En este gesto de comenzar a bordar palabras sobre dinero, el lenguaje se incrusta en el billete sacándolo de circulación o mejor dicho, poniéndolo a circular en otro sistema, con otro valor simbólico. De alguna manera, cada puntada, asociada a la labor femenina, va perforando el patrimonio material de la economía, un universo masculino y patriarcal. Quizás, cada billete bordado esconde la fantasía de hacer concha el sistema. Y en este contexto de crisis (manera de nombrar al plan económico que apuesta al endeudamiento y la opresión del pueblo), encontré una nueva grieta: crear o reventar.»

Germán Paley, junio 2018.

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Toto Fernández Ampuero

Toto Fernandez Ampuero. Ofelia.

Toto Fernández Ampuero

ARTISTA

Siempre me interesó la pintura al óleo como técnica principal de mi obra. En este contexto uno de mis intereses principales gira en torno a los conceptos formales y tradicionales de la pintura, técnicas, materiales y soportes, Dando prioridad al oficio de pintor como punto vital para la creación de una pieza de arte.

Los temas que me interesan son netamente urbanos y contemporáneos, incido mucho en la psicología individual, creo personajes, con una gran carga emotiva que pueda generar algún nexo con el espectador, así como metáforas de situaciones cotidianas. Busco que la obra sea un punto de partida para empezar un descubrir.

Trato a los individuos, tanto hombres como mujeres, como personajes atemporales sumergidos en un momento que lo sugiere  la propia obra.

Abordo temas como la sensualidad, la soledad, la culpa, el amor, la muerte, la búsqueda de la identidad, la rutina, etc. La figuración es la predominante en toda mi obra. Abundan las imágenes de glamour de décadas pasadas y contemporáneas, sobre todo en mis personajes femeninos, dejando a los personajes masculinos, el rol de una comparsa que a distancia y silenciosamente acompaña en algunas  obras.

Uso la representación femenina como figura de conflicto: objeto de deseo, para mí es un ideal estético de sofisticación y glamour; pero

 también objeto (y no sujeto) esquivo al deseo. Procuro que predomine una mirada “masculina” del tema del género, los roles y la configuración del erotismo en este contexto.

Mi paleta la considero sobria, depurada y restringida en mis primeras obras, mientras que en la actualidad hay un uso considerable de color y multiplicidad de tonos, influenciada por la cultura urbana actual, así como el diseño y la media.

Mi gusto por valores y patrones globales, históricos y mediáticos hizo de la apropiación de imágenes una constante en mis primeros años, actualmente produzco mis propias las fotografías, busco la/os modelos hago la dirección de arte y el styling. La fotografía se ha vuelto un punto de inicio, más no define la totalidad de mis pinturas, busco que tenga su propia temperatura y composición, yo dejo que el cuadro me vaya guiando hasta su consecución.

Si bien todo esto ha sido un proceso he procurado que sea algo orgánico y natural, en la actualidad mis intereses están en la pintura en gran formato, siempre de manera figurativa.

 He encontrado en la colaboración con otros artistas, experiencias de las que puedo nutrirme, así puedo decir que el desarrollo interdisciplinario ha hecho que pueda desarrollar mi trabajo en otros ámbitos del arte que no dominaba, como las artes digitales o el video.

Toto Fernández Ampuero.

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Nora Unda

detalle Divino Amor 2016 Nora Unda

Nora Unda

ARTISTA

Mi proceso creativo emerge desde una experiencia cercana a la muerte, la que me hizo encontrar en los fragmentos de mi memoria, los recuerdos de mi infancia y me ha llevado a hacer en mis creaciones, una traducción de lenguajes a través de la intuición, interpretando personajes abstractos, creando una desfragmentación de la realidad, dando forma a nuevos relatos visuales basados en paisajes oníricos, inspirados principalmente en la naturaleza, animales y la vida.

Para desarrollar e inmortalizar  lo que tengo en mi imaginario utilizo como material principal plasticina, porque es volumétrico, lúdico,  transformable y colorido, lo que ha permitido conectarme con fluidez a mi esencia.

Actualmente estoy desarrollando  la simbología en la manipulación de formas orgánicas, llevándolas a un significado vinculado con el origen de la vida, siendo los animales, los principales protagonistas de mis historias.

Los animales son parte de nuestro ecosistema global, nuestra falta de consciencia ha hecho que en el paso de los años, el respeto por su sabiduría y origen sean olvidados.

Mis obras son respuesta a una  reflexión análoga, en torno a mi manipulación de fragmentos de naturaleza artificial y a la manipulación humana hacia el origen de los animales, la que ha tenido como propósito, clasificar para entender el comportamiento de especies según su hábitat y a la vez ha intervenido para crear otras nuevas, apropiándose en algunos casos de la identidad en relación a un país, llegando a perder el respeto por ellos (los animales).

A su vez, mis creaciones, son interpretaciones de ritos de amor, libertad y encuentro, entre un ser que se conoce y  acepta a sí mismo y  desde la unión instintiva entre dos seres sin prejuicios, sin importar su raza, credo o identidad.

Nora Unda , Chile 1982

 

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Mercedes Pérez San Martin

Mercedes Perez San Martin5

Mercedes Pérez San Martín

ARTISTA

El peso de las consecuencias
El desarraigo

En mi obra los planos y las formas se fragmentan, los volúmenes se desarman en la tela, las sombras son incoherentes. En los elementos que aparecen en mi pintura hay una continuidad-discontinuidad, un armado y desarmado de líneas y planos que se yuxtaponen. La información es harta, así como los ángulos y direcciones.

Pienso en el papel que juegan los recuerdos en la construcción de la obra, en la identidad del artista. La memoria es mi herramienta de 

trabajo, y sin embargo mi proceso jamás parte de algo consciente, no hay proyectos previos, ni bocetos: mi trabajo es ansioso y meticuloso, pero desmemoriado, se centra en el ahora todo el tiempo.

Pero entonces, si mis formas y líneas se fragmentan ¿responden ellas a una fragmentación interna? ¿Qué lugar ocupa en mi memoria el mundo contemporáneo, la vida urbana, mis sucesivas migraciones, adaptaciones, re-adaptaciones y maternidades en distintas ciudades, culturas, comunidades,? ¿Qué sucede luego con mi identidad? Será que mi obra habla acerca de la inmigración y sus consecuencias. Será que parte de una necesidad de destrabar recuerdos.

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arteBA 2018

Espacio de performance - arteBA 2018
Espacio de performance - arteBA 2018

arteBA 2018

UNA EDICIÓN LLENA DE SORPRESAS Y NOVEDADES

Por Mariana Gioiosa

Una Ciudad Hidroespacial, compuesta por maquetas y constelaciones del gran artista Gyula Kosice; Tri-obtique chromatique y Dilatación mercurial, dos esculturas cinéticas de Martha Boto que proponen juegos ópticos entre la luz y el color en la Galería María Calcaterra; Docientos Pesos Fuertes, de Cristina Piffer que hace alusión a la constitución del Estado nacional y la concentración de las tierras productivas, realizada con sangre de vaca deshidratada, vidrio y acero inoxidable,  exhibida en la galería Rolf, son solo algunas de las obras e instalaciones que sorprendieron en la edición número 27 de arteBA.

Kosice, Ciudad hidroespacial
También llamaron la atención la escultura móvil cinética con forma de poliedro color azul de Julio Le Parc, llamada Star y la escultura de 3 metros de altura de Enio Iommi, Volumen espacial que se presentaron en la galería Del Infinito. Tampoco pasó desapercibido el sector dedicado a Antonio Berni con collage, gofrados y pinturas como Incendio en el barrio de Juanito en la Galería Sur, entre otros trabajos. Este año participaron 84 galerías de 27 ciudades como Barcelona, Madrid, Valencia, Punta del Este, San Pablo, Berlín, Miami y Nueva York y contó con la presencia de aproximadamente 80 mil visitantes. Entre los museos e instituciones que adquirieron obras destacamos al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía que compró Caballetes, de Mariela Scafati, en Isla Flotante y al Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona que eligió para sumar a su colección  El fin, el principio ; Edificio Letra y Temple de  Magdalena Jitrik representada por la galería Luisa Strina. Además el presidente del Molaa Long Beach, Estados Unidos, escogió Infinito Red Sunset, del artista Matías Duville, en Barro Galería.

En el recorrido de la feria, llamaron la atención la escultura móvil cinética con forma de poliedro color azul de Julio Le Parc, llamada Star y la escultura de 3 metros de altura de Enio Iommi, Volumen espacial que se presentaron en la galería Del Infinito. Tampoco pasó desapercibido el sector dedicado a Antonio Berni con collage, gofrados y pinturas como Incendio en el barrio de Juanito en la Galería Sur, entre otros trabajos.

Este año participaron 84 galerías de 27 ciudades como Barcelona, Madrid, Valencia, Punta del Este, San Pablo, Berlín, Miami y Nueva York y contó con la presencia de aproximadamente 80 mil visitantes. Entre los museos e instituciones que adquirieron obras destacamos al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía que compró Caballetes, de Mariela Scafati, en Isla Flotante y al Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona que eligió para sumar a su colección  El fin, el principio ; Edificio LetraTemple de  Magdalena Jitrik representada por la galería Luisa Strina. Además el presidente del Molaa Long Beach, Estados Unidos, escogió Infinito Red Sunset, del artista Matías Duville, en Barro Galería.

Resultó novedosa la propuesta montada para los niños, con actividades recreativas todos los días. Este lugar fue inaugurado por el artista Yuyo Noé  y un grupo de chicos de la villa 21-24  que hicieron un gran mural con pinceles abiertos, colores flúo y  liquid paper. Para los más grandes hubo un nuevo programa de arteBA de recorridos originales, coordinados por artistas jóvenes, historiadores de arte y gestores culturales con distintos ejes temáticos cómo mundos fantásticos y una selección de trabajos representativos teniendo en cuenta los distintos contexto históricos y técnicas utilizadas.

Se destacaron también los debates en Open Forum como el impacto de la inversión privada en el desarrollo de la escena del arte, exhibición de objetos, instalaciones y experiencias artísticas fuera de espacios convencionales y coleccionismo. El espacio Barrio Joven le dedicó un lugar central a la performance. Algunas de las más comentadas fueron iSEXY de Lolo y Lauti y Quería que mis dedos entraran en las teclas de la Galería Acéfala.

Isla de ediciones arteBA 2018

En cuanto a la presentación de libros en el sector Isla de Ediciones, resultó relevante $oporte. El uso del dinero como material en las artes visuales de Hernán Borisonik y el facsímil de Revista Arturo. Tuvieron gran convocatoria temas dedicados a la igualdad de género como  Feminismo y arte latinoamericano, Historias de artistas que emanciparon el cuerpo de Andrea Giunta, ideas y acciones en debate del colectivo Nosotras proponemos y Experiencias en la militancia feminista y queer.

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Pablo Butteri

Pablo Butteri - Habitats. Resina y esmalte. 150x150.

Pablo Butteri

ARTISTA VISUAL

Pablo Butteri se vincula con la naturaleza dando cuenta de su permanente gesto de cambio presente en una suerte de fauna orgánica indefinida donde seres pequeños, abstractos, dinámicos se mueven en conjunto suspendidos en un medio indeterminado entre el aire, la tierra y el agua. Seres que pueden estar en cualquier lado como miles de millones de especies que desconocemos y, justamente por desconocerlas, nos presentan interrogantes, desafían nuestros sentidos y provocan toda la gama de sensaciones entre la empatía y el distanciamiento.  Óleos, esmaltes, resina y siliconas entretejen laberintos y nudos, forman conglomerados de texturas y volúmenes que pueden plasmarse en el plano de la tela pero donde

 el movimiento interno propio del caos que busca expandirse, termina promoviendo la apertura de los márgenes y la materialización física de aquello que era pintado. El contraste entre la búsqueda de la representación carnal de la naturaleza y los materiales producidos por el hombre, los cuales con su toxicidad, lastiman el entorno que habita, permiten al artista reforzar ese diálogo entre lo orgánico y lo inorgánico, invitando a la reflexión. Los nudos de Pablo atan y desatan emulando las relaciones humanas; de allí surgen nuevos relatos, nuevos organismos, nuevos colores, materialidades y dinámicas, donde la naturaleza reformula y afianza su presencia.

Lic. María Carolina Baulo

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