Cómo mirar una Fotografía Por Hansel Huang

Cómo mirar una Fotografía

Por Hansel Huang

Un Investigador privado es contratado para seguir una posible teoría de adulterio. La persecución lo conduce a las olas de una playa en Hawaii.
La voz del detective Poirot en mis oídos, directamente una novel Agatha Christie. Y justo cuando tengo la curiosidad de tomarlo demasiado en serio, todo se funde en el olvido. Así me sentí cuando vi “Movimiento” de Juan Lamarca, un tríptico presentado por la Galería Cur8 en Art Basel, Miami. 
Examino las interacciones de las personas que están surfeando en las fotos y los matices entre las tres piezas. Bajo las olas hay una fuerza de agresión pasiva, algo más grande que la vida. 
Es un momento interesante para reflexionar sobre la forma en que vemos una fotografía, una década después del lanzamiento de Instagram, el medio de la fotografía ha sido fundamentalmente disruptivo. ¿Cuál es la diferencia entre una fotografía que aparece en una pantalla de 15 centímetros y una que permanece en una impresión de 2 metros de alto? 
Sí, el tríptico de Juan Lamarca bien podría verse como un Boomerang si los ojos de la audiencia van de izquierda a derecha y viceversa. Pero la franqueza de colocar las fotografías en una pared en impresiones de 60 x 40 pulgadas tiene una sutileza y astucia que nos deja reflexionando – se niega a ser interpretado pero nos da la libertad de hacerlo – y de todas maneras, la obra sobrevive nuestro análisis. 

Después de dirigir dos galerías, Ashley Ramos comenzó Cur8 para apoyar una lista de artistas cuyas obras hablan por sí mismos. Ashley tiene buen ojo para los disruptores, muchos de los cuales no comenzaron con un background en arte.

 Es una persona que no se deja engañar por la efímera glorificación de la venta. La forma orgánica de cultivar sus relaciones es a través de un crecimiento sostenido. Como ella dice, tiene que sentirse bien. 

Ashley conoció a Juan en un evento social. Estaba impresionada por su serie “Horse Portraits”; «Los las composiciones y lineas son maravillosas «, comenta. “ Cuando nos conocimos Juan me mostró toda su obra en su estudio, y cuando llegamos a su serie de Océanos ¡Toda su persona se iluminó! ”. Ashely me dice que la fotografía de Juan nos desafía a formar nuestras propias opiniones. Conversamos sobre la Biennal de Whitney, que con todas las buenas intenciones y promesas, termino sintiéndose un poco saturado de opiniones. 

“Cuando vemos algo tan específico como el racismo, todos sentimos algo similar. Porque nosotros ya sabemos cómo sentirnos al respecto «, dice Ashley. «Pero ver una pintura de un solo color, por ejemplo, evoca más emociones y te da la oportunidad de respirar y reflexionar”.

Nuestra conversación me recuerda al ensayo de Susan Sontag en 1964, «Contra la interpretación» – “ En todos los casos la interpretación de este tipo indica una insatisfacción (consciente o inconsciente) con la obra, un deseo de reemplazarlo por otra cosa «. 

En un mundo del arte que se ha vuelto increíblemente saturado; la nostalgia es el héroe vulnerable que guía la curaduría de la gran mayoría de las galerías en Basel – no hay arte interactivo por ejemplo. Hay una separación del arte que está demasiado calculada o demasiado bien diseñado (para ser Instagrameable). 

Sin embargo, los trabajos de Juan en el show, ya sea el tríptico “Movimiento” o «The Drop», propone una inquietante pregunta: cuando algo tan peligrosamente simple está parado frente a nosotros, sin nadie etiquetado, sin ubicación geográfica, sin hashtag, ¿podemos manejarlo? Si la democratización de la fotografía nos ha enseñado cualquier cosa, debe ser su desprecio por la interpretación. 

A Juan Lamarca no le importa mucho nuestra interpretación de todos modos. Es un día típico de surf. Es simplemente un hombre, a quien le gusta surfear olas y capturarlas. 

De movimientos y resplandores

Julio Le Parc, Ondas 110 n8, 1974, Cortesía Atelier Julio Le Parc.

De movimientos y resplandores

Julio Le Parc

Nadie recuerda algo parecido. Julio Le Parc propuso que el público vote si deseaba que la maravillosa obra Esfera azul fuera donada al CCK (Centro Cul- tural Kirchner) por él mismo. El público expresó su opinión favorable y, desde diciembre 2016, la espléndida pieza forma parte del patrimonio de la Nación Argentina; pertenece a todos. El imponente y luminoso móvil está compuesto de 3.500 placas de acrílicos azules translúcidos y tiene 4 m. de diámetro. Las luces del entorno se reflejan en la esfera que, con su movimiento, multiplican y hacen danzar las formas del hall central de antiguo Correo Central donde está emplazada. Las provocaciones y combinaciones ópticas convierten a la pieza en ineludible foco de atracción y dan la bienvenida a los visitantes.

Precisamente, el CCK será una de las sedes del Homenaje nacional a la trayec- toria del consagrado artista -con dirección artística general de su hijo menor Yamil Le Parc, director de Atelier Le Parc (París)- que se realizará conjuntamen- te con el Museo Nacional de Bellas Artes y el Centro de Experimentación del Teatro Colón; coronado con una publicación monográfica sobre su pródiga obra.

DESTELLOS DE UNA BIOGRAFÍA

Investigador del movimiento y de la luz, Julio Le Parc (Mendoza, 1928) vive en Francia, donde se instaló en 1958 con una beca del gobierno francés, haciendo el viaje inverso de su abuelo paterno que había cruzado el océano a fines del siglo XIX. En París encuentra a muchos expatriados latinoamericanos pero, también, allí conoce a Victor Vasarely, Georges Vantongerloo, entre otros, y se interesa en la exploración de la percepción a través del arte óptico.

Aunque ya había comenzado a experimentar con la abstracción, en Francia toman fuerza sus investigaciones en pinturas que creaban una ilusión óptica. Luego, no se conforma con representar el movimiento, sino que lo incorpora directamente. Incluye en sus obras partes que se mueven a través de meca- nismos motores o manuales, por efectos ópticos y lumínicos, y por las inves- tigaciones para lograr el movimiento, que el viento impulsa en las esculturas al aire libre. La participación y el punto de vista del observador -“sujeto de ob- servación para otros espectadores”- forman parte determinante de su obra. En el inicio, su interés por el arte se profundiza gracias al encuentro con Lucio Fontana -creador del “espacio ilusorio” a través de perforaciones reales en el plano pintado-, que fuera su profesor de dibujo en una secundaria de la calle Cerrito en Buenos Aires, ciudad a la que había llegado a los 13 años con su madre y sus hermanos. Entonces, en los años ’40, también conoce la propues- ta de varios artistas constructivos, que desean eludir la representación de la realidad y las huellas de subjetividad. Por esas cosas del destino, los maestros Fontana y Le Parc coincidieron, a comienzos de 2019, en sendas muestras en el museo Metropolitan de Nueva York.

Hace unos años, en conversación con esta cronista, Le Parc recordó que fue obrero de una marroquinería y que abandonó la enseñanza formal en 1947, no sin antes conocer los murales de las Galerías Pacífico realizados en 1946. Muchos años después, a propósito de una espléndida intervención artística en Plaza de las Artes del Centro Cultural Borges (Galerías Pacífico) confesó que con sus compañeros iba a curiosear mientras los muralistas -Antonio Berni, Juan Carlos Castagnino, Manuel Colmeiro, Lino Enea Spilimbergo y Demetrio Urruchúa- pintaban: “fueron parte de mi formación como artista”. En 1954 ingresó a la Escuela Superior de Bellas Artes deseoso de modificar algunos parámetros del mundo del arte.

El compromiso de cuestionar el papel del arte y del artista en la sociedad se reafirma en 1960, cuando junto a otros artistas, Le Parc funda el Grupo de Investigación de Arte Visual (Groupe de Recherche D’Art Visuel). En su mani- fiesto sostienen que “la noción del artista único e inspirado es anacrónica”. Fiel a estas palabras, Le Parc es uno de los creadores más accesibles del medio artístico, quizá porque tampoco olvida su origen proletario.

Se destaca tempranamente creando cajas de luz con movimiento, pero no deja la pintura y en 1966 obtiene el Gran Premio Internacional de Pintura Bienal de Venecia, con obras que crean la ilusión de movimiento por la repetición en serie del mismo motivo plástico, por las sutiles variaciones en tamaño, forma, fondos.

 

Julio Le parc 3
Continuel mobile, 1965/2013, palais de Tokyo, Paris

Las citadas piezas, junto Esfera azul de CCK y la recién instalada Mobile Sphère Orange en Fundación Atchugarry (Punta del Este), inducen a la dislocación de la visión y permiten verificar cómo, según la circulación de los observadores, varían las relaciones entre geometría, espacio y cuerpo, entre colores y for- mas vibrantes.

Su firma y diseños son cada vez más requeridos. El desarrollador Jorge Pérez instituyó el premio de escultura “Julio Le Parc”, que ganó en 2017 la artista argentina Marie Orensanz. Rutini Wines ideó el vino Antología Julio Le Parc, con racimos de malbec de su provincia natal, con packaging inspirado en su obra cinética Desplazamiento (1965). En tanto, Colección Amalita (Fortabat) presentó la muestra Variations autour de La Longue Marche, propuesta del artista para Hermès Éditeur para creaciones con copias únicas de pañuelos de seda, a partir de las seis pinturas de formas y colores vibrantes de La longue marche (1974-75).

Forme en contorsion sur trame, 1966
Gouche project coleur n1, 1958

LOS HOMENAJES

Le Parc tiene un sentimiento de inconmensurable alegría por saberse profeta en su tierra. Ahora, en el marco del Homenaje nacional a su trayectoria, el CCK despliega en 3.000 m2 la exhibición inmersiva Julio Le Parc. Un visionario, con curaduría de Gabriela Urtiaga. La retrospectiva recorre 60 años de investi- gación con la luz, la pintura, la escultura y experiencias participativas.

A propósito de su obra -“gran sinfonía de luz en movimiento”, en palabras del experto en arte latinoamericano Hans-Michael Herzog-, en la fantástica sala sinfónica la Ballena azul, el maestro sostendrá un diálogo creativo con el ce- lebrado pianista y director de orquesta Daniel Barenboim. No es casualidad, la musicalidad de su trabajo hace inevitable el Proyecto Le Parc, caracterizado como un encuentro de las artes visuales y la música en el Centro de Experi- mentación del Teatro Colón.

Otra parte del homenaje se desarrolla en el Museo Nacional de Bellas Artes, al que el artista vuelve tras su retrospectiva del año 2000. El Pabellón de ex- posiciones temporarias exhibe Julio Le Parc. Transiciones Buenos Aires-París, 1954-1959 con curaduría de Mariana Marchesi. Son obras históricas realizadas antes de su viaje a París, en las que se percibe cómo tras iniciarse en la figura- ción asoman sus investigaciones hacia la abstracción.

Así las cosas, es evidente que acertó la adivina pelirroja que, cuando Le Parc tenía 17 años, le auguró muchos viajes y éxitos.


Bs.As. Argentina 

hi@hoornik.com.ar

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La comunidad y las artes visuales

Fotografía de José Ángel Mateos

La Comunidad y las Artes Visuales

Cuando se creó el Monte de Piedad el 23 de mayo de 1878 -casa de empeño y antecedente del Banco Municipal y del actual Banco Ciudad-, Buenos Aires no había sido federalizada. “El contorno total del país estaba aún por definirse. Surgió para combatir la usura mediante préstamos de dinero sobre objetos diversos a un interés menor que el de plaza, orientado a actuar sobre las di- ferencias sociales”, tal como reza la historia del Banco, que tiene Biblioteca y Museo Histórico del Banco Ciudad “Monte de Piedad”, en Boedo 870.

¿Habrán imaginado sus fundadores que con el correr de los siglos el Ban- co Ciudad incluso tendría una importante incidencia en las artes visuales? El Banco Ciudad y su Fundación multiplican sus acciones en relación al arte. Más allá de las obras empeñadas u ofrecidas en los remates (a la vista en Esmeral- da 660), realizan muestras, auspician otros espacios, compran obras, organizan concursos y otorgan premios.

Nicolino Locche por Martha Pelu o.

Por caso, en homenaje al centenario del nacimiento del líder sudafricano Nel- son Mandela en 2018, el Banco Ciudad y su Fundación, junto a Fundación La Nación, donaron a la Ciudad un retrato hiperrealista realizado por Javier de Aubeyzon.

A propósito de arteBA, como hace años el Banco tiene presencia en la feria con un stand y forma parte del programa de adquisiciones para museos na- cionales. Las muestras individuales -como las de Olga Autunno y Lucía Pacen- za en 2018 o las programadas para 2019: Alicia Díaz Rinaldi. Graciela Zar, Jorge Álvaro, entre otros- se realizan en el espacio Caja de Cristal de la casa matriz, Florida y Sarmiento.

José Ángel Mateos.

Las exposiciones colectivas se vinculan con los premios que organizan, como las del popular concurso fotográfico Gente de mi ciudad, abierto a profesionales y/o aficionados de la fotografía artística. Las seleccionadas, entre 5.000 presentadas el año pasado, capturan la vida misma, retienen en sus fotografías usos y costumbres, aspectos del patrimonio cultural y arquitectónico porteño, escenas de la vida cotidiana en León de La Boca, 2018, de José Ángel Mateos.

Tras ser exhibidos, los Premios Adquisición Banco Ciudad pasan a engrosar la Colección que suma 256 obras marcando momentos importantes del arte argentino. Tiene como propósito “favorecer la visibilidad y circulación de las obras, que se completan con la mirada del observador”, entre ellas la de Mar- tha Pelu o; aquí Nicolino Locche, 1969.

La Colección suele viajar por la ciudad y distintos puntos del país. En noviem- bre pasado, el Museo Nacional de Bellas Artes organizó Colecciones en diá- logo, un encuentro entre obras pertenecientes a los patrimonios del Museo y del Banco, que exhibió, entre otras, pinturas de Horacio Butler, Juan Carlos Castagnino, María Martorell con una investigación geométrica abstracta: Para- lelas en movimiento, 1971. Piezas de consagrados y novísimos de la Colección -Antonio Berni, Nicolás García Uriburu, Diego Bianchi, Pablo Ziccarello, entre otros- viajaron al Museo de Arte Contemporáneo de Salta para participar en Figurados: de la nueva figuración a la fotografía escénica, una conversación entre pintura y fotografía.

Tras su remodelación, la FotoGalería del Teatro San Martín, creada por Sara Facio, fue renombrada como FotoGalería Banco Ciudad – Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530). Un nuevo comité curatorial conformado por los recono- cidos fotógrafos Rosana Schoije , Bruno Dubner y Ariel Authier puso en valor imágenes blanco y negro de Lucrecia Plat y Carlos Guinzburg.

Lucrecia Prat

“Personal Structures-Identities” por el European Cultural Centre durante la Bienal de Venecia

EXPOSICIÓN PERSONAL STRUCTURES - Identities

European Cultural Centre

La quinta edición de la exposición de arte  en el marco de la bienal de Venecia «PERSONAL STRUCTURES” – IDENTITIES« (11 de mayo – 24 de noviembre), organizada y apoyada por el European Cultural Centre de Italia, pronto abrirá al público . La exhibición será inaugurada los días 9 y 10 de mayo de 6:00 pm a 10:00 pm en Palazzo Mora y Palazzo Bembo y de 5:00 pm a 8:00 pm en Giardini Marinaressa. Junto a las inauguraciones, se llevarán a cabo una serie de performances y charlas organizadas por los artistas en nuestras locaciones.

La exposición presentará una amplia selección de obras de artistas emergentes, artistas reconocidos internacionalmente, fotógrafos, escultores y proyectos de instituciones académicas de todo el mundo, ilustrando las diferentes reflexiones subjetivas sobre los tópicos  “Tiempo, Espacio y Existencia» y sobre el concepto de identidad.

El resultado es una exhibición grupal heterogéneo y estimulante que tiene como objetivo generar pensamientos y reflexiones sobre nuestras vidas.

Desde 2002, el proyecto «Personal  Structures» ha sido concebido no solo como una plataforma abierta donde los artistas pueden presentar sus obras, sino también como un centro cultural donde se documenta y promueve el arte contemporáneo a través de exposiciones, simposios y publicaciones.

Nos complace revelar la selección final de los artistas participantes en  «PERSONAL STRUCTURES – IDENTITIES»

PERSONAL STRUCTURES – Identities (11 de mayo – 24 de noviembre de 2019) horario de apertura:

Palazzo Bembo y Palazzo Mora: 10:00 am – 6:00 pm. Cerrado los martes. Entrada libre.

Giardini della Marinaressa: 10:00 am – 6:00 pm abierto todos los días. Entrada libre.

Preview de prensa (bajo pedido): 9 y 10 de mayo de 2019, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m.

Evento de apertura: 9 y 10 de mayo 6:00 pm – 10:00 pm  Palazzo Mora y Palazzo Bembo

 5:00 pm – 8:00 pm Giardini della Marinaressa

¨Andrea Fried, participa con su obra Austerity en el Palazzo Bembo, Riva del Carbon #4793.¨

Además, ECC-Italia se complace en presentar nuevamente una selección de pabellones nacionales de La Biennale di Venezia. Este año renovamos la colaboración con los países de Seychelles y Kiribati y tenemos el honor de presentar por primera vez el Pabellón de Mozambique en el Palazzo Mora.

Las inauguraciones de los pabellones contribuyen a enriquecer el programa de charlas y actuaciones organizadas por los artistas de Personal Structures para las jornadas de apertura. Te invitamos a ver a todo el programa.

PALAZZO BEMBO

Ika Abravanel (ISR) • Detlef E. Aderhold (DEU) • Mark Amerika (USA) • Anoma (LKA) Nobuyoshi Araki (JPN), • Murielle Argoud (CHE) • Art Gallery Tolstoy (RUS) • Atelier Morales (FRA) • Cheryl Goldsleger – Augusta University (USA) • Laila Azra (IDN/SGP) Mario Basner (USA) • Curator’s Voice Art Projects (USA) • Manfred Bockelmann (AUT) Francois Bonjour (CHE) • Annette Bonnier (USA) • China Blue (USA/CAN) Solan Chiu (HKG) • Vio Choe (KOR) • Jeongyun Choi & SON IL (KOR) • Young Min Choi (KOR) • Lori Cuisinier (USA) • Deakin University – David Cross and Cameron Bishop, Public Art Commission (AUS) • Giò Di Busca (CHE) • John Doing (CHE) • Nina Dotti (YV) • EVA (RUS) • Andrea Fried (ARG) • Hideharu Fukasaku (JPN) • Justin Garcia (USA) • Sarah Gold (NLD) • Christopher Griffith (USA) • Marinka Groendel (NLD) • Teo Chai Guan (SGP) • Tilney Hardiment (GBR) • Camomile Hixon (USA) • Julie Hsieh – Yen-Fu Kuo & Chien- Hsing Lien (TWN) • Hélène Jacubowitz (BEL/ISR) • Xuan Jing & Sharon Tsai (TWN) Ervin A. Johnson (USA) • Georges Kachaamy – American University of Dubai (LBN), Jessica M. Kaufman (USA) • Virginia King (NZL) • Helen Kirwan (IRL/GBR) • LL Editions Sam Nhlengethwa, Nandipha Mntambo, Blessing Ngobeni & Mbali Dhlamini (ZAF/SWZ) Sérgio Leitão (PRT) • Eric J. Lee (USA) • Zinaida Lihacheva (UKR) • Sherman Lin (CHN) Davor Ljubicic (DEU) • Olga Lomaka (RUS) • Frank Mann (USA) • Arnaud Nazare-Aga (FRA) • Karl Ohiri & Riikka Kassinen (GBR/NIG & FIN) • Hans Christian Ohl (DEU) • Helga Palasser (AUT) • Martina Reinhart (AUT) • Jim Rattenbury (ESP) • Orestis Seferoglou (GRC) • Claudia Schildknecht (CHE) • Eva Schjølberg (NOR) • Tineke Smith (NLD)

Wanda Stang (DEU) • Wendy Steiner (CAN/USA) • Betty Susiarjo (IDN) • Hanna Ten- Doornkaat (GBR) • Gotlind Timmermanns (DEU) • Lincoln Townley (GBR) • Federico Uribe (COL) • Dr. Héctor Valdés (CHL) • Marc Vinciguerra (USA/FRA) • Wendy Wahl (USA) Wild Flag Studios (CAN/GBR/USA) • Salma Zulfiqar (GBR).

PALAZZO MORA

Aamir Habib & Noor Ali Chagani – Antidote Art & Design (PAK) • Academy of Fine Arts in Warsaw (POL) • Emiko Aida (GBR) • Leca Araujo (BRA), (AU) – Arvee, Meg den Hartog Naerebout, Vanhorck (NDL) • Petra Barth (USA/DEU) • Katerina Belkina (DEU) • Patrick Bermingham (CAN) • BIRDSEYE – Brian J. Mac, FAIA (USA) • Marcus Bleasdale (GBR) William Bloomfield (USA) • Eyenga Bokamba (USA) • Peter Bracke (BEL) • Aliette Bretel (PER) • Brooklyn NY Art Wave (JPN/USA) • Christopher Capriotti (USA) • Adriana Carambia (ARG) • Esteve Casanoves (ESP) • In Hyuk Choi (SKO) • Insook Choi – Salford University (KOR/UK) • Bob Clyatt (USA) • Jacopo di Cera (ITA) • Barbara Downs (USA) Mark Dziewulski (UK) • Alberto Echegaray Guevara (ARG/ESP) • EVA & ADELE (DEU),VALIE EXPORT (AUT) • Feromontana (AUT) • Jared FitzGerald (USA/CHIN) Puma Freytag (CAN), Andras Gal (HUN) • Erin Genia – MIT (USA) • Beatriz Gerenstein (USA) Sarah Gold (NLD) • Elena Gual Baquera (ESP/GBR) • Gunnar Gundersen (NOR) • Joan M. Hall (USA) • Karin Hannak (AUT) • Carl Martin Hansen (NOR) • Kathryn Hart (USA) Juergen Haupt (DEU) • Elizabeth Heyert (USA) • HIHEY (CHN) • Yumiko Hirokawa (JPN) Ania Hobson (GBR) • Jean-Marc Hunt (GLP) – Joël Nankin (GLP) & François Piquet (GLP) • IMAN – Instituto Mazeredo de Arte Nova (BRA) • Jon Jaylo (USA) • Igor Josifov

(MKD) Shunsuke Kano (JPN) • Lina Karam (FRA) • Azad Karim (SVN) • Miwako Kashiwagi (JPN) • Nadia Kisseleva (RUS) • Ute Krautkremer (DEU) • Jan Kuenzler (DEU) Anne Kuhn (FRA) • Marietta Patricia Leis (USA) • Ping-Cheng Liang (TWN) • Norma E. Lopez (COL) Loughborough University (GBR) • Lorenzo Maria Monti (ITA) • Stephan Marienfeld (DEU) Walter Markham (USA) • Marcello Martinez Vega (DEU/ECU) • Walter McConnell (USA) Joseph McDonnell (USA) • Chris McMullen (USA) • Pamela Merory Dernham (GBR) – Cyrus Tilton (GBR) & Sanjay Vora (GBR) • James Michalopoulus (USA) Lorenzo Maria Monti (ITA) • Niwako Mori (JPN) • Müller & Sohn Art Projects (DEU) Museum of Contemporary Art of Castilla la Mancha (ESP) • Soraya Abu Naba’a (DOM) Raffy Napay (PHL) • Jackie Neale (USA) • Hermann Nitsch (AUT) • Reka Nyari (USA) Jan Oberg (SWE) • Natalia Ohar (UKR) • Yoko Ono (JPN) • Roman Opalka (POL) • Gregory Orekhov (RUS) • David Pace (USA) • Tomasz Padło (POL) • PAPER Pavilion (GBR) Maria Pavlovska (RUS) • Daniel Pešta (CZE) • Christine Kowal Post (GBR) • POW Ideas (MYS) Olga Marie Polunin (SGP) • Martin Praska (AUT) • R. Berte & Dr. M. Proepper (DEU) PSJM (ESP) • Arnulf Rainer (AUT) • Lilibeth Cuenca Rasmussen (DEN) Patricia Reinhart (USA) • Rene Rietmeyer (NLD) • Iggy Rodriguez (PHL) • Herb Rosenberg (USA) • Yoshiko Saito (JPN) • Brigitte J. Schaider (DEU) • Sarah Schrimpf (DEU) • Joakim Sederholm (FIN) • Martine Seibert-Raken (DEU) • Bianca Severijns (NLD/ISR) • Antonio Sorrentino (ITA) • Samuel Stubblefield (USA) • Studio Palazzo Inzaghi – Irmfried Windbichler, Ruth Riedl & Jolana Skacel (AUT/EU) • Isaac Sullivan (USA) • Sung-Kyun – Goo & Vania Oh (KOR) • Merab Surviladze (BEL) • Toto Takamori (JPN) • Sho Tsunoda (JPN) • Katja Tukiainen (FIN) • Urban Studies Lab – UDDI – Federico Puggioni (THA) • Judith Unger (USA) • Guy Van den Bulcke (BEL) • Sanja Vatic & Daniela Danica Tepes (SVN) • Arika Von Edler (USA) • Maxim Wakultschik (BLR/DEU) • Val Wens & Tony Bond (IDN/AUS) Ariela Wertheimer (ISR) • Willem de Kooning Academy (NLD) • Maria Wolfram (FIN) • Lu Xinjian (CHN) • Rada Yakova (NLD) • Karou Yamamoto & Kouji Ohno (JPN) • Purvis Young (USA) • Andre Chi Sing Yuen (DEU) • Meng Zhou (CHN).

GIARDINI DELLA MARINARESSA

Masoud Akhavan (IRN) • Carole Feuerman (USA) – Laurence Jenkell (FRA/ISR) • Idan Zareski (FRA/ISR) presented by Bel Air Fine Art, Richard Bell (AUS) • Nadim Karam (LEB) Anton Kerscher (DEU) • Georg Loewitt (AUT) • Olga Lomaka (RUS) • Clifton Manghoe (NLD) • Manuela Mollwitz (DEU/CHE) • Kumari Nahappan (SGP) • NONOS – Mercedes & Franziska Welte (DEU) • Gregory Orekhov (RUS) • Andreas Rimpel (DEU) • Barbro Raen Thomassen (NOR) • George Tobolowsky (USA) • Tristan Vyscok (FRA) • Maritta Winter (DEU/CHE).

Art Dubai 2019 Invadida por Latinoamérica y destacados artistas argentinos

Art Dubai 2019

Invadida por Latinoamérica y destacados artistas argentinos

Este año Art Dubai habrá más presencia de arte latinoamericano y está confirmada la participación de tres destacados artistas argentinos. Tomás Saraceno, el artista de las telas arañas y esculturas flotantes, exhibirá un trabajo especial  para la feria. Por otro lado, fueron convocados para participar en la sección de Residencias Luciana Lamothe de la Galería Ruth Benzacar, recordada por las instalaciones de estructuras inestables y desposeídas de ornamento, y Nicanor Araoz de la galería Barro, con sus obras de aspecto espeluznante que parecen salidas de una pesadilla.Fuera del continente americano, otros artistas internacionales que estarán para la ocasión con novedosas producciones serán la francesa- marroquí Chourouk Hriech con un mural a gran escala y la egipcia Heba Amin, que todavía no reveló detalle, entre otros.
La edición 2019 contará con 90 galerías de más de 40 países de todo el mundo. Además, presentará una estructura renovada. A las secciones Contemporáneo, Moderno y Residentes, se le suma Bawwaba, que significa puerta en árabe, con 10 presentaciones individuales de artistas, con su último trabajo o un proyecto que idearon especialmente para la feria. También se tratarán temas de interés internacional en foros simposios y foros como la influencia de la tecnología en la educación.
La edición 2019 contará con 90 galerías de más de 40 países de todo el mundo. Además, presentará una estructura renovada. A las secciones Contemporáneo, Moderno y Residentes, se le suma Bawwaba, que significa puerta en árabe, con 10 presentaciones individuales de artistas, con su último trabajo o un proyecto que idearon especialmente para la feria. También se tratarán temas de interés internacional en foros simposios y foros como la influencia de la tecnología en la educación.

Galería Revolver

Galería Revolver

GIANCARLO SCAGLIA APUNTA ALTO

Por Mariana Gioiosa

El artista y galerista nació en el 81 en Lima, Peru, en una época de conflicto interno, terrorismo y guerra civil. El taller de Giancarlo está montado en una isla sobre los escombros de una prisión abandonada en donde murieron 118 presidiarios sederistas que cayeron en el motín de 1986. Los huecos que dejaron las ametralladoras de los disparo de los militares sobre restos de paredes y las historias  que le contaron sus mayores de esa época, le sirvieron al a Scaglia de inspiración para algunas de sus impactantes series como¨ Stellar¨ y ¨Paisaje¨.

La Galería que fundó se llama ¨Revolver¨, pero nada tiene que ver con la responsabilidad que siente Giancarlo de plasmar esos hechos con arte. Revolver en sus orígenes se pensó con el acento prosódico en la segunda vocal, haciendo referencia a darle la vuelta al arte local. Las muestras no quedaron tampoco impregnadas de ese tinte político, aunque alguna de las obras puede hacer alguna evocación, sinó que abordan temáticas ligadas a la naturaleza y problemáticas del ser humano y representa a una nueva generación de artistas contemporáneos

¨Revolver¨ es la voz de muchos artistas que no se sentían identificados con los espacios exhibitorios que había en Lima y sorprende a los amantes del arte con interesantes propuestas. En mayo de este año aterrizó en Buenos Aires con un grupo estable rotativo de artistas peruanos y  otros internacionales para provocar revuelo en el escenario porteño

¿Cómo surgió la idea de armar la Galería?

Surgió como una necesidad. Nos sucedía a un grupo de artistas de mi generación que no encontrábamos una buena representación para nuestros trabajos dentro de Lima, entonces armé una galería propia que le diera la vuelta al sistema de galerías que estaba establecido en esa ciudad

¿Cómo se vincula tu obra con tu rol de galerista?

Considero que Revolver es parte de mi obra. Estoy pensando continuamente en estrategias y qué quiero comunicar. Si no fuera artista no tendría la galería porque mi motor principal  es que se conozcan en este mundo los trabajos de la generación a la que pertenezco. En una exhibición grupal miro a todas las obras como una unidad, una oración articulada por distintas palabras, una gran obra de arte.

¿Hacia dónde va de Revolver?

La galería se fundó en Lima en el 2008 y  junto a los artistas que represento y al equipo que me acompaña tenemos ganas de seguir expandiéndonos. En su noveno aniversario se estableció también en Buenos Aires como  primer paso por Sudamérica. Seguimos esquemas de otras galerías y proyectos italianos o suizos que pueden manejar varios programas paralelos.

¿Y por qué elegiste Buenos Aires?

arteBA me inspiró también para armar la galería. Después de recorrerla junto a un grupo de amigos artistas nos dieron ganas de participar y como se necesita cierta organización que nos represente nos plateamos ¨¿y si armamos una galería y nos presentamos en este espacio?¨. Ese fue un gran impulso para Revolver. No fue algo mágico pero de a poco lo hicimos posible. Comenzamos  con muestras más chicas en Perú, juntamos algo de dinero y logramos llegar a arteBA el próximo año. Le tomé mucho cariño a esta ciudad que nos vio empezar, además aquí tengo muy buena relación con las instituciones, amigos artistas y coleccionistas. La comodidad de estar con gente querida y que Buenos Aires es uno de los focos con mayor crecimiento de artes visuales en Latinoamérica son dos motivos importantes para tomar este tipo de decisiones.

¿Cómo ingresaron a Art Basel, que es una de las ferias de arte más importantes a nivel internacional?

“A puro huevos¨, lo bueno de ser galerista y  artista es que lo apostás  todo hasta el momento que te va bien y así lo hice. Como la típica historia: al comienzo apareces para posicionarte, no vendés nada pero es una buena publicidad y luego la imagen de la galería crece, se acercan clientes y el espacio se hace más conocido. Luego de seis años puedo decir con orgullo que es nuestra principal feria y la más importante para nosotros a nivel ventas

¿Cómo fue que llegaron a Revolver artistas internacionales?

El primer artista internacional fue Matías Duvil, que acompaña a Revolver desde casi el inicio. Después se sumaron el artista italiano Andrea Galvani y la polaca Marlena Kudlicka, entre otros. Los incluimos a ellos porque queremos darle a la galería un perfil  internacional.

¿Cuál es el criterio de selección que se toma en las distintas muestras?

Me considero muy intuitivo en la elección de las obras y armado de un discurso visual y conceptual, pero al mismo tiempo la galería establece una relación horizontal con los artistas. Tengo mucha interacción con ellos y su participación resulta crucial en la construcción de cada muestra.  Les hago pregunta como: ¨¿Qué pensás de esto? ¿Con qué obra de tal conectarías tu trabajo? ¿Qué te parece tal título?¨ Ese diálogo constante que mantengo con ellos marcan la diferencia cuando se presenta una exhibición

¿Y sobre las primeras muestras que se hicieron en Buenos Aires?

En la primera muestra  que se realizó en la galería de Villa Crespo, ¨Paisaje Infinito de la costa del Perú¨, me preocupé  en mostrar a un grupo de artistas en el comienzo un diálogo. 

En esta exhibición algunos de los artistas más representativos de Revolver, como Alberto Borea, Matías Duville, Andrea Galvani, Philippe Gruenberg, entre otros, rindieron homenaje a la serie iniciada por Jorge Eduardo Eielson en 1957 en la ¨deconstrucción¨ visual de la costa peruana a partir de uso del color, la textura y el espacio. 

Dos meses después presentamos TheStructure, otra muestra  grupal con destacados artistas que participan en nuestra galería  como Gabriel Chaile , Alberto Borea , Marlena Kudlicka , y Elena Damiani . En esta oportunidad se les propuso a los artistas una indagación sobre sus propios esquemas y arquitecturas mentales, poniendo en juego sus obsesiones y pensamientos. Con todas las muestras mi intención es establecer una comunicación entre el espectador y la propuesta. Porque el arte es finalmente eso, comunicación.

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Hoornik hace una selección de los artistas contemporáneos que más nos gustan para que puedas conocer sus obras y seguirlos de cerca.

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