“Personal Structures-Identities” por el European Cultural Centre durante la Bienal de Venecia

EXPOSICIÓN PERSONAL STRUCTURES - Identities

European Cultural Centre

La quinta edición de la exposición de arte  en el marco de la bienal de Venecia «PERSONAL STRUCTURES” – IDENTITIES« (11 de mayo – 24 de noviembre), organizada y apoyada por el European Cultural Centre de Italia, pronto abrirá al público . La exhibición será inaugurada los días 9 y 10 de mayo de 6:00 pm a 10:00 pm en Palazzo Mora y Palazzo Bembo y de 5:00 pm a 8:00 pm en Giardini Marinaressa. Junto a las inauguraciones, se llevarán a cabo una serie de performances y charlas organizadas por los artistas en nuestras locaciones.

La exposición presentará una amplia selección de obras de artistas emergentes, artistas reconocidos internacionalmente, fotógrafos, escultores y proyectos de instituciones académicas de todo el mundo, ilustrando las diferentes reflexiones subjetivas sobre los tópicos  “Tiempo, Espacio y Existencia» y sobre el concepto de identidad.

El resultado es una exhibición grupal heterogéneo y estimulante que tiene como objetivo generar pensamientos y reflexiones sobre nuestras vidas.

Desde 2002, el proyecto «Personal  Structures» ha sido concebido no solo como una plataforma abierta donde los artistas pueden presentar sus obras, sino también como un centro cultural donde se documenta y promueve el arte contemporáneo a través de exposiciones, simposios y publicaciones.

Nos complace revelar la selección final de los artistas participantes en  «PERSONAL STRUCTURES – IDENTITIES»

PERSONAL STRUCTURES – Identities (11 de mayo – 24 de noviembre de 2019) horario de apertura:

Palazzo Bembo y Palazzo Mora: 10:00 am – 6:00 pm. Cerrado los martes. Entrada libre.

Giardini della Marinaressa: 10:00 am – 6:00 pm abierto todos los días. Entrada libre.

Preview de prensa (bajo pedido): 9 y 10 de mayo de 2019, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m.

Evento de apertura: 9 y 10 de mayo 6:00 pm – 10:00 pm  Palazzo Mora y Palazzo Bembo

 5:00 pm – 8:00 pm Giardini della Marinaressa

¨Andrea Fried, participa con su obra Austerity en el Palazzo Bembo, Riva del Carbon #4793.¨

Además, ECC-Italia se complace en presentar nuevamente una selección de pabellones nacionales de La Biennale di Venezia. Este año renovamos la colaboración con los países de Seychelles y Kiribati y tenemos el honor de presentar por primera vez el Pabellón de Mozambique en el Palazzo Mora.

Las inauguraciones de los pabellones contribuyen a enriquecer el programa de charlas y actuaciones organizadas por los artistas de Personal Structures para las jornadas de apertura. Te invitamos a ver a todo el programa.

PALAZZO BEMBO

Ika Abravanel (ISR) • Detlef E. Aderhold (DEU) • Mark Amerika (USA) • Anoma (LKA) Nobuyoshi Araki (JPN), • Murielle Argoud (CHE) • Art Gallery Tolstoy (RUS) • Atelier Morales (FRA) • Cheryl Goldsleger – Augusta University (USA) • Laila Azra (IDN/SGP) Mario Basner (USA) • Curator’s Voice Art Projects (USA) • Manfred Bockelmann (AUT) Francois Bonjour (CHE) • Annette Bonnier (USA) • China Blue (USA/CAN) Solan Chiu (HKG) • Vio Choe (KOR) • Jeongyun Choi & SON IL (KOR) • Young Min Choi (KOR) • Lori Cuisinier (USA) • Deakin University – David Cross and Cameron Bishop, Public Art Commission (AUS) • Giò Di Busca (CHE) • John Doing (CHE) • Nina Dotti (YV) • EVA (RUS) • Andrea Fried (ARG) • Hideharu Fukasaku (JPN) • Justin Garcia (USA) • Sarah Gold (NLD) • Christopher Griffith (USA) • Marinka Groendel (NLD) • Teo Chai Guan (SGP) • Tilney Hardiment (GBR) • Camomile Hixon (USA) • Julie Hsieh – Yen-Fu Kuo & Chien- Hsing Lien (TWN) • Hélène Jacubowitz (BEL/ISR) • Xuan Jing & Sharon Tsai (TWN) Ervin A. Johnson (USA) • Georges Kachaamy – American University of Dubai (LBN), Jessica M. Kaufman (USA) • Virginia King (NZL) • Helen Kirwan (IRL/GBR) • LL Editions Sam Nhlengethwa, Nandipha Mntambo, Blessing Ngobeni & Mbali Dhlamini (ZAF/SWZ) Sérgio Leitão (PRT) • Eric J. Lee (USA) • Zinaida Lihacheva (UKR) • Sherman Lin (CHN) Davor Ljubicic (DEU) • Olga Lomaka (RUS) • Frank Mann (USA) • Arnaud Nazare-Aga (FRA) • Karl Ohiri & Riikka Kassinen (GBR/NIG & FIN) • Hans Christian Ohl (DEU) • Helga Palasser (AUT) • Martina Reinhart (AUT) • Jim Rattenbury (ESP) • Orestis Seferoglou (GRC) • Claudia Schildknecht (CHE) • Eva Schjølberg (NOR) • Tineke Smith (NLD)

Wanda Stang (DEU) • Wendy Steiner (CAN/USA) • Betty Susiarjo (IDN) • Hanna Ten- Doornkaat (GBR) • Gotlind Timmermanns (DEU) • Lincoln Townley (GBR) • Federico Uribe (COL) • Dr. Héctor Valdés (CHL) • Marc Vinciguerra (USA/FRA) • Wendy Wahl (USA) Wild Flag Studios (CAN/GBR/USA) • Salma Zulfiqar (GBR).

PALAZZO MORA

Aamir Habib & Noor Ali Chagani – Antidote Art & Design (PAK) • Academy of Fine Arts in Warsaw (POL) • Emiko Aida (GBR) • Leca Araujo (BRA), (AU) – Arvee, Meg den Hartog Naerebout, Vanhorck (NDL) • Petra Barth (USA/DEU) • Katerina Belkina (DEU) • Patrick Bermingham (CAN) • BIRDSEYE – Brian J. Mac, FAIA (USA) • Marcus Bleasdale (GBR) William Bloomfield (USA) • Eyenga Bokamba (USA) • Peter Bracke (BEL) • Aliette Bretel (PER) • Brooklyn NY Art Wave (JPN/USA) • Christopher Capriotti (USA) • Adriana Carambia (ARG) • Esteve Casanoves (ESP) • In Hyuk Choi (SKO) • Insook Choi – Salford University (KOR/UK) • Bob Clyatt (USA) • Jacopo di Cera (ITA) • Barbara Downs (USA) Mark Dziewulski (UK) • Alberto Echegaray Guevara (ARG/ESP) • EVA & ADELE (DEU),VALIE EXPORT (AUT) • Feromontana (AUT) • Jared FitzGerald (USA/CHIN) Puma Freytag (CAN), Andras Gal (HUN) • Erin Genia – MIT (USA) • Beatriz Gerenstein (USA) Sarah Gold (NLD) • Elena Gual Baquera (ESP/GBR) • Gunnar Gundersen (NOR) • Joan M. Hall (USA) • Karin Hannak (AUT) • Carl Martin Hansen (NOR) • Kathryn Hart (USA) Juergen Haupt (DEU) • Elizabeth Heyert (USA) • HIHEY (CHN) • Yumiko Hirokawa (JPN) Ania Hobson (GBR) • Jean-Marc Hunt (GLP) – Joël Nankin (GLP) & François Piquet (GLP) • IMAN – Instituto Mazeredo de Arte Nova (BRA) • Jon Jaylo (USA) • Igor Josifov

(MKD) Shunsuke Kano (JPN) • Lina Karam (FRA) • Azad Karim (SVN) • Miwako Kashiwagi (JPN) • Nadia Kisseleva (RUS) • Ute Krautkremer (DEU) • Jan Kuenzler (DEU) Anne Kuhn (FRA) • Marietta Patricia Leis (USA) • Ping-Cheng Liang (TWN) • Norma E. Lopez (COL) Loughborough University (GBR) • Lorenzo Maria Monti (ITA) • Stephan Marienfeld (DEU) Walter Markham (USA) • Marcello Martinez Vega (DEU/ECU) • Walter McConnell (USA) Joseph McDonnell (USA) • Chris McMullen (USA) • Pamela Merory Dernham (GBR) – Cyrus Tilton (GBR) & Sanjay Vora (GBR) • James Michalopoulus (USA) Lorenzo Maria Monti (ITA) • Niwako Mori (JPN) • Müller & Sohn Art Projects (DEU) Museum of Contemporary Art of Castilla la Mancha (ESP) • Soraya Abu Naba’a (DOM) Raffy Napay (PHL) • Jackie Neale (USA) • Hermann Nitsch (AUT) • Reka Nyari (USA) Jan Oberg (SWE) • Natalia Ohar (UKR) • Yoko Ono (JPN) • Roman Opalka (POL) • Gregory Orekhov (RUS) • David Pace (USA) • Tomasz Padło (POL) • PAPER Pavilion (GBR) Maria Pavlovska (RUS) • Daniel Pešta (CZE) • Christine Kowal Post (GBR) • POW Ideas (MYS) Olga Marie Polunin (SGP) • Martin Praska (AUT) • R. Berte & Dr. M. Proepper (DEU) PSJM (ESP) • Arnulf Rainer (AUT) • Lilibeth Cuenca Rasmussen (DEN) Patricia Reinhart (USA) • Rene Rietmeyer (NLD) • Iggy Rodriguez (PHL) • Herb Rosenberg (USA) • Yoshiko Saito (JPN) • Brigitte J. Schaider (DEU) • Sarah Schrimpf (DEU) • Joakim Sederholm (FIN) • Martine Seibert-Raken (DEU) • Bianca Severijns (NLD/ISR) • Antonio Sorrentino (ITA) • Samuel Stubblefield (USA) • Studio Palazzo Inzaghi – Irmfried Windbichler, Ruth Riedl & Jolana Skacel (AUT/EU) • Isaac Sullivan (USA) • Sung-Kyun – Goo & Vania Oh (KOR) • Merab Surviladze (BEL) • Toto Takamori (JPN) • Sho Tsunoda (JPN) • Katja Tukiainen (FIN) • Urban Studies Lab – UDDI – Federico Puggioni (THA) • Judith Unger (USA) • Guy Van den Bulcke (BEL) • Sanja Vatic & Daniela Danica Tepes (SVN) • Arika Von Edler (USA) • Maxim Wakultschik (BLR/DEU) • Val Wens & Tony Bond (IDN/AUS) Ariela Wertheimer (ISR) • Willem de Kooning Academy (NLD) • Maria Wolfram (FIN) • Lu Xinjian (CHN) • Rada Yakova (NLD) • Karou Yamamoto & Kouji Ohno (JPN) • Purvis Young (USA) • Andre Chi Sing Yuen (DEU) • Meng Zhou (CHN).

GIARDINI DELLA MARINARESSA

Masoud Akhavan (IRN) • Carole Feuerman (USA) – Laurence Jenkell (FRA/ISR) • Idan Zareski (FRA/ISR) presented by Bel Air Fine Art, Richard Bell (AUS) • Nadim Karam (LEB) Anton Kerscher (DEU) • Georg Loewitt (AUT) • Olga Lomaka (RUS) • Clifton Manghoe (NLD) • Manuela Mollwitz (DEU/CHE) • Kumari Nahappan (SGP) • NONOS – Mercedes & Franziska Welte (DEU) • Gregory Orekhov (RUS) • Andreas Rimpel (DEU) • Barbro Raen Thomassen (NOR) • George Tobolowsky (USA) • Tristan Vyscok (FRA) • Maritta Winter (DEU/CHE).

arteBA deja los motores encendidos para un gran año en el mercado del arte

arteBA 2019

Deja los motores encendidos para un gran año en el mercado del arte

“Me acerqué en esta oportunidad a arteBA con las expectativas muy bajas, había percibido el cambio de layout (diseño) en un formato más reducido y la modificación de fecha del evento como algo negativo, pero me voy gratamente sorprendido, fue una gran edición”, comenta entusiasmado un coleccionista local a pocos minutos del cierre. Y no es para menos, las galerías se esforzaron y sacaron a relucir interesantes propuestas de maestros de la pintura y artistas consagrados como Antonio Berni, Rogelio Polesello, Emilio Petorutti, Carlos Gorriarena entre muchos otros. También se destacaron obras de artistas contemporáneos de la talla de Tomás Saraceno, Mondongo, Leandro Erlich, Eduardo Basualdo, Mariana Tellería y Diego Bianchi, para mencionar algunos.

La feria de vivió con un clima de optimismo y alegría, al pasar por los stand del pabellón principal, se observaban las sonrisas de los galeristas y recambio de obras debido a la venta de las anteriores. “Si cierro hoy, ya me voy contento”, decía contento el dueño de una galería de arte contemporáneo luego de vender cuatro importantes trabajos en el primer día. Durante esas horas. también,se adquirieron piezas en otros espacios de Mariana Telleria, Tomás Saraceno y Adriana Minoliti.

 

Basualdo

Otra noticia que fue motivo de festejo, fue la venta de la obra más cara de la historia de feria. Se trata de un mural que Jorge de La Vega realizó en 1967 de 7 metros de largo por 2 de alto. Fue obtenido por U$S1.350.000.

En cuanto a las ventas institucionales, algunos ejemplos son: el Malba compró cuatro fotografías de George Fridman y una escultura de Diego Bianchi. El Museo de Bellas Artes de San Juan sumó a su colección una pintura de Marcia Schvartz, mientras que el Museo de Arte de Lima compró, Yo tengo SIDA, del colectivo Fabulous Nobodies, integrado por Roberto Jacoby y Kiwi Sainz.

 

Basualdo

arteBA es uno de los eventos más importantes de Latinoamérica. Está pensada tanto para los cientos de coleccionistas extranjeros y locales que guardan un espacio en su apretada agenda como para miles de argentinos ávidos consumidores de cultura que quieren conocer qué está pasando en el mundo del arte año tras año.

Teniendo en cuenta a este último segmento, la feria fue acompañada por la Semana del Arte, con más de 46 muestras que se pudieron ver de manera gratuita, Faena Art Festival, MAPA y un programa de charla de Art Basel Cities. “El objetivo es potenciar ese ecosistema cultural que nos hace únicos¨ concluyó el Ministro de Cultura de la Ciudad Enrique Avogadro.

 

Resultó un gran acierto disponer un pabellón separado para los artistas jóvenes, nueva sección que se le dio el nombre de Utopía Bombay Saphire. Este cambio hizo posible que tanto el arte consagrado como el emergente se puedan desarrollar con autonomía y potencien su contenido. También fue muy bien recibida en el mundillo del arte que Amalia Amoedo sucederá a Alec Oxenford en la presidencia de la fundación y hay muchas expectativas al respecto

Con gran cantidad de ventas, aumentó de público y coleccionistas, arteBA 2019 deja encendido los motores del mercado del arte de este nuevo período

 

Bal Harbour, Miami, cuando el arte y la cultura son parte de un estilo de vida.

Bal Harbour Miami

Cuando el arte y la cultura son parte de un estilo de vida.

El arte deja su huella en el escenario urbano y playero de Bal Harbour, con sus exhibiciones públicas, eventos de arte, encuentros con artistas y curadores y la asociación de su programa de Museos con los principales centros de arte de Miami.

La ciudad de Bal Harbour expande su programa de arte, Unscripted Bal Harbour, creado hace cinco años, como plataforma para contribuir al diálogo creativo en el sur de Florida, que incluye charlas de arte, acceso a museos, galerías y recorridos privados con una especialista de arte durante todo el año. El exclusivo programa de arte se encuentra disponible para huéspedes de los cuatro hoteles de Bal Harbour y sus residentes. Durante 2018 se suman nuevas exhibiciones públicas en su costanera, convocando a los mejores artistas de Miami en ambiciosos proyectos de arte público. Los residentes y huéspedes de hoteles de Bal Harbour (St Regis Bal Harbour, Ritz Carlton Bal Harbour, Sea View Hotel, Quarzo Boutique hotel) pueden asistir a los principales museos de Miami, colecciones privadas y espacios culturales todo el año en forma gratuita presentando su tarjeta de Art Access Bal Harbour. Este programa, que abarca a toda la ciudad, es el más importante de su clase en Florida. Proporciona acceso gratuito a los mejores museos del área: el nuevo museo de ciencia Phillip & Patricia Frost, el Wolfsonian, el Bass Museum of Art y el Perez Art Museum Miami (PAMM), el Instituto de Arte Contemporáneo (ICA) , MDC Museo de Arte + Diseño, Patricia y Phillip Frost Museo de Arte Vizcaya + Gardens y el Fairchild Tropical Gardens entre los principales, incorporando recientemente al History Miami y el Jewish Museum Miami.

 Además, el programa les da acceso VIP a los residentes y huéspedes de hoteles de Bal Harbour a ferias y eventos durante la semana de Art Basel Miami Beach y a una feria de arte en una de las principales ciudades de Estados Unidos cada año.

Jorge González, administrador municipal de Bal Harbour, quien ha sido un fuerte promotor de la comunidad artística de Miami y el arte público, comentó: “La ciudad de Bal Harbour se encuentra en una posición privilegiada para ofrecerle a sus residentes y huéspedes de hoteles acceso sin precedente a las artes en Miami. “Estamos comprometidos con el arte contemporáneo con el objetivo primordial que contribuya a enriquecer la experiencia de nuestros visitantes y residentes, y junto con nuestros socios, enriquecer el diálogo cultural general de Florida del Sur.

 Hoy, en su 5to año, el programa incluye tours privados para los socios de Art Access, charlas con reconocidos expertos en arte contemporáneo, y acceso al detrás de escena de los hogares de los coleccionistas locales.

“La ciudad de Bal Harbour ha expandido constantemente el programa para exhibir, educar y compartir, manteniendo su compromiso hacia la comunidad de Miami y la comunidad artística en general”, cuenta la curadora del programa Clarie Burkel.

El administrador municipal, Jorge González, agrega: Colaborar con instituciones afines y con los principales talentos creativos de Miami ha sido clave para desarrollar nuestro programa. Promete una oferta cultural dinámica para residentes y huéspedes de hoteles y para la comunidad de Bal Harbour.

Exhibiciones de arte internacional a lo largo de la playa de Bal Harbour

Actualmente y hasta el 30 Junio 2019 se exhibe

Jill Peters, Burnesha of Albania

La fotógrafa de Nueva York Jill Peters, residente de Miami, ha viajado a Albania a lo largo de la última década para fotografiar y filmar a las burnesha, mujeres que han elegido, desde el siglo XV, vivir sus vidas como hombres a cambio de un voto de castidad. Las burnesha hacen esto para escapar al patriarcado y participar en actividades y privilegios reservados a los hombres. Jill Peters muestra la historia y las vidas actuales de algunas de las 100 burnesha que quedan.

Proyectos de arte público por artistas residentes de Miami

El muelle de Bal Harbour, instalación de Felecia Carlisle

El muelle de Bal Harbour brilla gracias a la instalación permanente de Felecia Carlisle de un diseño de terrazzo incrustado que es una representación visual de la velocidad del viento en este lugar. Estas rayas de “velocidad” se realizarán en varios tonos de una piedra terrazo especial que brilla en la oscuridad. Inspirada en la preservación del medio ambiente, la superficie del muelle rejuvenecerá con un brillo natural cuando cae

la noche, proporcionando luz sin el uso de energía eléctrica externa. La instalación fue encargada por la ciudad de Bal Harbour. Carlisle está representada por Brook Dorsch Gallery de Miami.

Del 15 de enero al 15 de noviembre de 2018

Robert Chambers, Rotorelief

Círculo de Fundadores de Bal Harbour

Rotorelief, de Robert Chambers, un préstamo de la colección Taplin, es un helicóptero funcional cuyas aspas fueron reemplazadas por discos hipnóticos, diseño inspirado en los experimentos ópticos giratorios de Marcel Duchamp. Rotorelief estará ubicado en el Círculo de Fundadores en el centro de Collins Avenue, como si hubiera aterrizado allí para llevar a los huéspedes a un hotel de Bal Harbour, o quizás a hacer compras.

 

En proceso

Proyecto de puente de Troy Simmons

El artista Toy Simmons, experimentado diseñador arquitectónico y científico ambiental, es el candidato perfecto para intervenir la parte inferior del puente de Bal Harbour que conecta el muelle con el hotel de lujo Quarzo hotel. Inspirándose en la arquitectura brutalista, usando hormigón, metal y una mezcla singular de colores, Simmons crea intervenciones que realzan el entorno natural y parecen integradas a éste. Este proyecto se realizará por encargo de la ciudad de Bal Harbour y el hotel boutique de lujo Quarzo.

 

Acerca de Bal Harbour, el destino de moda de Miami:

Bal Harbour, Miami, un nombre por siempre asociado con la mejor experiencia de compras, se ha convertido en un destino turístico obligado; hotelería de lujo, restaurantes gourmet y celebrados programas culturales. Nombrado centro de compras más productivo número uno en el mundo, el lujoso centro comercial al aire libre Bal Harbour Shops es un paraíso para los fanáticos de la moda y los viajeros de primer nivel. Esta soleada comunidad playera ofrece un amplio rango de hoteles elegantes, entre ellos, el ultra lujoso St. Regis Bal Harbour Resort, The Ritz-Carlton Bal Harbour, el hotel boutique Bal Harbour Quarzo y el icónico Sea View Hotel. Su exultante escena gastronómica incluye el restaurante de cocina mediterránea Atlantikós en St. Regis Bal Harbour, Artisan Beach House en el Ritz-Carlton Bal Harbour, Makoto, de cocina japonesa moderna del célebre gastrónomo Stephen Starr y The Grill at Bal Harbour, para quienes buscan cocina american gourmet.

 

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Art Dubai 2019 Invadida por Latinoamérica y destacados artistas argentinos

Art Dubai 2019

Invadida por Latinoamérica y destacados artistas argentinos

Este año Art Dubai habrá más presencia de arte latinoamericano y está confirmada la participación de tres destacados artistas argentinos. Tomás Saraceno, el artista de las telas arañas y esculturas flotantes, exhibirá un trabajo especial  para la feria. Por otro lado, fueron convocados para participar en la sección de Residencias Luciana Lamothe de la Galería Ruth Benzacar, recordada por las instalaciones de estructuras inestables y desposeídas de ornamento, y Nicanor Araoz de la galería Barro, con sus obras de aspecto espeluznante que parecen salidas de una pesadilla.Fuera del continente americano, otros artistas internacionales que estarán para la ocasión con novedosas producciones serán la francesa- marroquí Chourouk Hriech con un mural a gran escala y la egipcia Heba Amin, que todavía no reveló detalle, entre otros.
La edición 2019 contará con 90 galerías de más de 40 países de todo el mundo. Además, presentará una estructura renovada. A las secciones Contemporáneo, Moderno y Residentes, se le suma Bawwaba, que significa puerta en árabe, con 10 presentaciones individuales de artistas, con su último trabajo o un proyecto que idearon especialmente para la feria. También se tratarán temas de interés internacional en foros simposios y foros como la influencia de la tecnología en la educación.
La edición 2019 contará con 90 galerías de más de 40 países de todo el mundo. Además, presentará una estructura renovada. A las secciones Contemporáneo, Moderno y Residentes, se le suma Bawwaba, que significa puerta en árabe, con 10 presentaciones individuales de artistas, con su último trabajo o un proyecto que idearon especialmente para la feria. También se tratarán temas de interés internacional en foros simposios y foros como la influencia de la tecnología en la educación.

Historia de dos mundos

Historia de dos mundos

Más de 500 obras en el Museo de Arte Moderno

Por Hoornik

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires reabrió sus puertas después de casi dos meses cerrado al público para la inauguración de la exposición Historia de dos mundos: Arte experimental latinoamericano en diálogo con la colección MMK, 1944–1989, realizada en colaboración con el Museum für  Moderne Kunst de Frankfurt (MMK). La gran apertura además incluyó 4 nuevas salas de exhibición, un café, una tienda y nuevos espacios.

La exhibición, conceptualizada y curada conjuntamente por la directora del Moderno, Victoria Noorthoorn, el curador senior del museo Javier Villa y el curador del MMK Klaus Görner, ocupa la totalidad de las salas del nuevo Museo hasta el 14 de octubre. Incluye unas 500 obras provenientes de los patrimonios de ambos museos y de colecciones privadas y públicas de distintos países, realizadas por 100 artistas y colectivos de América Latina, Estados Unidos y Europa.

En esta Historia de dos mundos no hay movimientos artísticos principales y secundarios, no hay “aportes” ni “contribuciones”: hay, sí, dos poderosas corrientes artísticas, la del arte europeo-norteamericano y la del latinoamericano, que a lo largo del tiempo a veces han fluido paralelas, otras se han juntado o cruzado; autónomas en lo que respecta a su identidad y a las maneras de relacionarse con sus respectivas realidades, interdependientes en lo que hace a su diálogo, sus colaboraciones, sus polémicas, sus rechazos”. En esta nueva visión de la historia, el arte latinoamericano no completa ni complementa ni llena el casillero de la diferencia, sino que conforma, en orgullosa paridad de hermanos —a veces fraternos, a veces rivales— un arte global y diverso, combativo y democrático”, como se lee en el texto curatorial.  

Historia de dos mundos comienza explorando la gran agitación que sacudió los cimientos del arte latinoamericano en los años cuarenta y desató una intensa corriente experimental en numerosas ciudades. También indaga en el modo en que los artistas pensaron su rol en la sociedad y en el potencial del arte para transformarla, como respuesta a contextos muchas veces conflictivos. Pretende así suscitar un debate sobre las reacciones de los artistas ante sus diferentes entornos sociopolíticos.

La exposición también pone en evidencia cómo variaron a lo largo de esta historia los términos del diálogo entre el mundo artístico europeo y el latinoamericano. A grandes rasgos, durante las primeras décadas del siglo XX el arte latinoamericano se desarrolló como respuesta a las vanguardias europeas. Con el advenimiento de la Segunda Guerra Mundial, los artistas de Latinoamérica suspendieron sus viajes de 

formación a Europa y desarrollaron sus propias utopías en los círculos intelectuales locales. En algunos casos, los que trabajaban en Europa viajaron a América Latina, donde pudieron desarrollar sus prácticas en diálogo con los movimientos locales.

Más adelante, ya en el período de posguerra, los artistas reemprendieron sus viajes por el mundo y el diálogo se volvió más rico y complejo. Durante los años sesenta, muchos artistas de todo el mundo compartieron preocupaciones e intereses, generalmente relacionados con cuestiones como el crecimiento de los medios de comunicación y del consumo masivo, o la condena a la violencia gubernamental, manifestada en la guerra de Vietnam, la amenaza nuclear o las dictaduras latinoamericanas. A pesar de ello, también existieron disonancias, no sólo debido a las diferencias en los contextos sociopolíticos, sino también a los desiguales desarrollos económicos e institucionales de los escenarios artísticos.

Los artistas participantes:

En esta exposición, el Moderno exhibirá obras de los siguientes artistas: Adolfo Bernal, Albert Georg Riethausen, Alberto Greco, Alberto Heredia, Aldo Paparella, Aldo Sessa, Alejandro Puente, Alfredo Hlito, Alighiero Boetti, Amancio Williams, Ana Mendieta, Andy Warhol, Anna Maria Maiolino, Antonio Caro, Exposición de Arte Destructivo (Enrique Barilari, Kenneth Kemble,  Jorge López Anaya, Jorge Roiger, Antonio Seguí, Silvia Torrás, Luis Wells), Arthur Bispo do Rosário, Artur Barrio, Augusto de Campos, Beatriz González, Blinky Palermo, Bruce Nauman, Carmelo Arden Quin, Carlos Raúl Villanueva, Charlotte Posenenske, Cildo Meireles, David Lamelas, Edgardo Antonio Vigo, Eduardo Clark, Eduardo Gil, Edward Ruscha, Emilio Renart, Escuela de Valparaíso, Flávio de Carvalho, Francis Bacon, Franz Mon, Fred Sandback, Gego, Geraldo de Barros, Gerhard Richter, Grete Stern, Gyula Kosice, Hélio Oiticica, Hildegard Weber, Iván Cardoso, Jasper Johns, Jesús Ruiz Durand, Jo Baer, John Chamberlain, Joseph Beuys, Juan Andrés Bello, Juan del Prete, Juan Downey, Juan N. Melé, Kenneth Kemble, Lenora de Barros, León Ferrari, Leopoldo Maler, Lidy Prati, Liliana Maresca, Liliana Porter, Lotty Rosenfeld, Lucio Fontana, Lucio Costa, Luis Camnitzer, Luis Felipe Noé, Luis Pazos, Lygia Clark, Lygia Pape, Manolo Millares, Marcel Broodthaers, Marcel Gautherot, Margarita Paksa, Marta Minujín, Martin Blaszko, Mathias Goeritz, Mira Schendel, Morris Louis, Nicolás García Uriburu, On Kawara, Oscar Bony, Oscar Niemeyer, Pablo Suárez, Paul Almásy, Peter Roehr, Piero Manzoni, Raúl Lozza, Rhod Rothfuss, Ricardo Carreira, Richard Serra, Roy Lichtenstein, Rubén Santantonín, Teresa Burga, Thomas Bayrle, Thomas Farkas, Timm Rautert, Tomás Maldonado, Ulises Carrión, Víctor Grippo, Walter De Maria, Willys De Castro, Yente e Yves Klein.

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Venecia en clave verde

Venecia en clave verde

Nicolás García Uriburu y la coloración del Gran Canal

Homenaje a Nicolás García Uriburu en el Bellas Artes, a medio siglo de la coloración del Gran Canal de Venecia.

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta la exposición “Venecia en clave verde. Nicolás García Uriburu y la coloración del Gran Canal”, del 29 de junio al 30 de septiembre. La muestra conmemora los cincuenta años de la intervención del artista argentino en las aguas de Venecia, el 19 de junio de 1968. 

“Nicolás García Uriburu es un referente fundamental del land art y, a la vez, un pionero de la conciencia ecológica, que formuló con el lenguaje de la acción artística”, sostiene el director del Bellas Artes, Andrés Duprat. “Tiñiendo las aguas de los canales de Venecia durante la Bienal de 1968, proponía una doble lectura en un solo gesto: al restituir su coloración denunciaba la actividad humana que trastoca la naturaleza volviéndola un artificio inútil. Por otra parte, lo disruptivo de la 

acción, que se realizó en forma clandestina, sin amparo de las instituciones, ponía en cuestión el sistema de las artes, acorde al espíritu de la época”, agrega.

La exhibición, curada por Mariana Marchesi −directora artística del Museo−, se concentra en el período de 1968 a 1974, y reúne serigrafías, fotos intervenidas y piezas documentales referentes a la coloración de 1968 y otras coloraciones históricas, así como un selecto grupo de pinturas realizadas en esos años.

En el marco de la XXXIV Bienal de Venecia convulsionada tras los sucesos del Mayo Francés, García Uriburu llevó a cabo una acción artística que, con el tiempo, marcaría un momento determinante de su carrera. Con la coloración del Gran Canal –enmarcada dentro las tempranas manifestaciones de la performance y del conceptualismo–, el artista argentino reflexionó sobre el rol de la pintura y las alternativas estéticas de la vanguardia, que abogaba por la fusión del arte con la vida.

Tras algunos meses de investigación, optó por utilizar una sustancia fluorescente para teñir las aguas, dado que reunía las condiciones visuales y medioambientales necesarias: inofensivo para la flora y fauna, colorante verde y uniforme. Esta iniciativa fue el origen de las numerosas intervenciones en la naturaleza que el artista desarrolló en distintas aguas del mundo –en Buenos Aires, París, Bruselas, Londres–, y que marcó la dirección de sus obras posteriores, siempre signadas por su preocupación por el medioambiente. 

“Venecia en clave verde. Nicolás García Uriburu y la coloración del Gran Canal” puede visitarse del 29 de junio al 30 de septiembre en las salas 39 y 40 del Museo. 

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