“Personal Structures-Identities” por el European Cultural Centre durante la Bienal de Venecia

EXPOSICIÓN PERSONAL STRUCTURES - Identities

European Cultural Centre

La quinta edición de la exposición de arte  en el marco de la bienal de Venecia «PERSONAL STRUCTURES” – IDENTITIES« (11 de mayo – 24 de noviembre), organizada y apoyada por el European Cultural Centre de Italia, pronto abrirá al público . La exhibición será inaugurada los días 9 y 10 de mayo de 6:00 pm a 10:00 pm en Palazzo Mora y Palazzo Bembo y de 5:00 pm a 8:00 pm en Giardini Marinaressa. Junto a las inauguraciones, se llevarán a cabo una serie de performances y charlas organizadas por los artistas en nuestras locaciones.

La exposición presentará una amplia selección de obras de artistas emergentes, artistas reconocidos internacionalmente, fotógrafos, escultores y proyectos de instituciones académicas de todo el mundo, ilustrando las diferentes reflexiones subjetivas sobre los tópicos  “Tiempo, Espacio y Existencia» y sobre el concepto de identidad.

El resultado es una exhibición grupal heterogéneo y estimulante que tiene como objetivo generar pensamientos y reflexiones sobre nuestras vidas.

Desde 2002, el proyecto «Personal  Structures» ha sido concebido no solo como una plataforma abierta donde los artistas pueden presentar sus obras, sino también como un centro cultural donde se documenta y promueve el arte contemporáneo a través de exposiciones, simposios y publicaciones.

Nos complace revelar la selección final de los artistas participantes en  «PERSONAL STRUCTURES – IDENTITIES»

PERSONAL STRUCTURES – Identities (11 de mayo – 24 de noviembre de 2019) horario de apertura:

Palazzo Bembo y Palazzo Mora: 10:00 am – 6:00 pm. Cerrado los martes. Entrada libre.

Giardini della Marinaressa: 10:00 am – 6:00 pm abierto todos los días. Entrada libre.

Preview de prensa (bajo pedido): 9 y 10 de mayo de 2019, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m.

Evento de apertura: 9 y 10 de mayo 6:00 pm – 10:00 pm  Palazzo Mora y Palazzo Bembo

 5:00 pm – 8:00 pm Giardini della Marinaressa

¨Andrea Fried, participa con su obra Austerity en el Palazzo Bembo, Riva del Carbon #4793.¨

Además, ECC-Italia se complace en presentar nuevamente una selección de pabellones nacionales de La Biennale di Venezia. Este año renovamos la colaboración con los países de Seychelles y Kiribati y tenemos el honor de presentar por primera vez el Pabellón de Mozambique en el Palazzo Mora.

Las inauguraciones de los pabellones contribuyen a enriquecer el programa de charlas y actuaciones organizadas por los artistas de Personal Structures para las jornadas de apertura. Te invitamos a ver a todo el programa.

PALAZZO BEMBO

Ika Abravanel (ISR) • Detlef E. Aderhold (DEU) • Mark Amerika (USA) • Anoma (LKA) Nobuyoshi Araki (JPN), • Murielle Argoud (CHE) • Art Gallery Tolstoy (RUS) • Atelier Morales (FRA) • Cheryl Goldsleger – Augusta University (USA) • Laila Azra (IDN/SGP) Mario Basner (USA) • Curator’s Voice Art Projects (USA) • Manfred Bockelmann (AUT) Francois Bonjour (CHE) • Annette Bonnier (USA) • China Blue (USA/CAN) Solan Chiu (HKG) • Vio Choe (KOR) • Jeongyun Choi & SON IL (KOR) • Young Min Choi (KOR) • Lori Cuisinier (USA) • Deakin University – David Cross and Cameron Bishop, Public Art Commission (AUS) • Giò Di Busca (CHE) • John Doing (CHE) • Nina Dotti (YV) • EVA (RUS) • Andrea Fried (ARG) • Hideharu Fukasaku (JPN) • Justin Garcia (USA) • Sarah Gold (NLD) • Christopher Griffith (USA) • Marinka Groendel (NLD) • Teo Chai Guan (SGP) • Tilney Hardiment (GBR) • Camomile Hixon (USA) • Julie Hsieh – Yen-Fu Kuo & Chien- Hsing Lien (TWN) • Hélène Jacubowitz (BEL/ISR) • Xuan Jing & Sharon Tsai (TWN) Ervin A. Johnson (USA) • Georges Kachaamy – American University of Dubai (LBN), Jessica M. Kaufman (USA) • Virginia King (NZL) • Helen Kirwan (IRL/GBR) • LL Editions Sam Nhlengethwa, Nandipha Mntambo, Blessing Ngobeni & Mbali Dhlamini (ZAF/SWZ) Sérgio Leitão (PRT) • Eric J. Lee (USA) • Zinaida Lihacheva (UKR) • Sherman Lin (CHN) Davor Ljubicic (DEU) • Olga Lomaka (RUS) • Frank Mann (USA) • Arnaud Nazare-Aga (FRA) • Karl Ohiri & Riikka Kassinen (GBR/NIG & FIN) • Hans Christian Ohl (DEU) • Helga Palasser (AUT) • Martina Reinhart (AUT) • Jim Rattenbury (ESP) • Orestis Seferoglou (GRC) • Claudia Schildknecht (CHE) • Eva Schjølberg (NOR) • Tineke Smith (NLD)

Wanda Stang (DEU) • Wendy Steiner (CAN/USA) • Betty Susiarjo (IDN) • Hanna Ten- Doornkaat (GBR) • Gotlind Timmermanns (DEU) • Lincoln Townley (GBR) • Federico Uribe (COL) • Dr. Héctor Valdés (CHL) • Marc Vinciguerra (USA/FRA) • Wendy Wahl (USA) Wild Flag Studios (CAN/GBR/USA) • Salma Zulfiqar (GBR).

PALAZZO MORA

Aamir Habib & Noor Ali Chagani – Antidote Art & Design (PAK) • Academy of Fine Arts in Warsaw (POL) • Emiko Aida (GBR) • Leca Araujo (BRA), (AU) – Arvee, Meg den Hartog Naerebout, Vanhorck (NDL) • Petra Barth (USA/DEU) • Katerina Belkina (DEU) • Patrick Bermingham (CAN) • BIRDSEYE – Brian J. Mac, FAIA (USA) • Marcus Bleasdale (GBR) William Bloomfield (USA) • Eyenga Bokamba (USA) • Peter Bracke (BEL) • Aliette Bretel (PER) • Brooklyn NY Art Wave (JPN/USA) • Christopher Capriotti (USA) • Adriana Carambia (ARG) • Esteve Casanoves (ESP) • In Hyuk Choi (SKO) • Insook Choi – Salford University (KOR/UK) • Bob Clyatt (USA) • Jacopo di Cera (ITA) • Barbara Downs (USA) Mark Dziewulski (UK) • Alberto Echegaray Guevara (ARG/ESP) • EVA & ADELE (DEU),VALIE EXPORT (AUT) • Feromontana (AUT) • Jared FitzGerald (USA/CHIN) Puma Freytag (CAN), Andras Gal (HUN) • Erin Genia – MIT (USA) • Beatriz Gerenstein (USA) Sarah Gold (NLD) • Elena Gual Baquera (ESP/GBR) • Gunnar Gundersen (NOR) • Joan M. Hall (USA) • Karin Hannak (AUT) • Carl Martin Hansen (NOR) • Kathryn Hart (USA) Juergen Haupt (DEU) • Elizabeth Heyert (USA) • HIHEY (CHN) • Yumiko Hirokawa (JPN) Ania Hobson (GBR) • Jean-Marc Hunt (GLP) – Joël Nankin (GLP) & François Piquet (GLP) • IMAN – Instituto Mazeredo de Arte Nova (BRA) • Jon Jaylo (USA) • Igor Josifov

(MKD) Shunsuke Kano (JPN) • Lina Karam (FRA) • Azad Karim (SVN) • Miwako Kashiwagi (JPN) • Nadia Kisseleva (RUS) • Ute Krautkremer (DEU) • Jan Kuenzler (DEU) Anne Kuhn (FRA) • Marietta Patricia Leis (USA) • Ping-Cheng Liang (TWN) • Norma E. Lopez (COL) Loughborough University (GBR) • Lorenzo Maria Monti (ITA) • Stephan Marienfeld (DEU) Walter Markham (USA) • Marcello Martinez Vega (DEU/ECU) • Walter McConnell (USA) Joseph McDonnell (USA) • Chris McMullen (USA) • Pamela Merory Dernham (GBR) – Cyrus Tilton (GBR) & Sanjay Vora (GBR) • James Michalopoulus (USA) Lorenzo Maria Monti (ITA) • Niwako Mori (JPN) • Müller & Sohn Art Projects (DEU) Museum of Contemporary Art of Castilla la Mancha (ESP) • Soraya Abu Naba’a (DOM) Raffy Napay (PHL) • Jackie Neale (USA) • Hermann Nitsch (AUT) • Reka Nyari (USA) Jan Oberg (SWE) • Natalia Ohar (UKR) • Yoko Ono (JPN) • Roman Opalka (POL) • Gregory Orekhov (RUS) • David Pace (USA) • Tomasz Padło (POL) • PAPER Pavilion (GBR) Maria Pavlovska (RUS) • Daniel Pešta (CZE) • Christine Kowal Post (GBR) • POW Ideas (MYS) Olga Marie Polunin (SGP) • Martin Praska (AUT) • R. Berte & Dr. M. Proepper (DEU) PSJM (ESP) • Arnulf Rainer (AUT) • Lilibeth Cuenca Rasmussen (DEN) Patricia Reinhart (USA) • Rene Rietmeyer (NLD) • Iggy Rodriguez (PHL) • Herb Rosenberg (USA) • Yoshiko Saito (JPN) • Brigitte J. Schaider (DEU) • Sarah Schrimpf (DEU) • Joakim Sederholm (FIN) • Martine Seibert-Raken (DEU) • Bianca Severijns (NLD/ISR) • Antonio Sorrentino (ITA) • Samuel Stubblefield (USA) • Studio Palazzo Inzaghi – Irmfried Windbichler, Ruth Riedl & Jolana Skacel (AUT/EU) • Isaac Sullivan (USA) • Sung-Kyun – Goo & Vania Oh (KOR) • Merab Surviladze (BEL) • Toto Takamori (JPN) • Sho Tsunoda (JPN) • Katja Tukiainen (FIN) • Urban Studies Lab – UDDI – Federico Puggioni (THA) • Judith Unger (USA) • Guy Van den Bulcke (BEL) • Sanja Vatic & Daniela Danica Tepes (SVN) • Arika Von Edler (USA) • Maxim Wakultschik (BLR/DEU) • Val Wens & Tony Bond (IDN/AUS) Ariela Wertheimer (ISR) • Willem de Kooning Academy (NLD) • Maria Wolfram (FIN) • Lu Xinjian (CHN) • Rada Yakova (NLD) • Karou Yamamoto & Kouji Ohno (JPN) • Purvis Young (USA) • Andre Chi Sing Yuen (DEU) • Meng Zhou (CHN).

GIARDINI DELLA MARINARESSA

Masoud Akhavan (IRN) • Carole Feuerman (USA) – Laurence Jenkell (FRA/ISR) • Idan Zareski (FRA/ISR) presented by Bel Air Fine Art, Richard Bell (AUS) • Nadim Karam (LEB) Anton Kerscher (DEU) • Georg Loewitt (AUT) • Olga Lomaka (RUS) • Clifton Manghoe (NLD) • Manuela Mollwitz (DEU/CHE) • Kumari Nahappan (SGP) • NONOS – Mercedes & Franziska Welte (DEU) • Gregory Orekhov (RUS) • Andreas Rimpel (DEU) • Barbro Raen Thomassen (NOR) • George Tobolowsky (USA) • Tristan Vyscok (FRA) • Maritta Winter (DEU/CHE).

Gustavo Santaolalla

Gustavo Santaolalla

MASTERCLASS EN PARK HYATT BUENOS AIRES

Por Hoornik

El 14 de septiembre a las 20:00 se llevará a cabo un encuentro exclusivo que tiene de protagonistas al artista Gustavo Santaolalla y a los chefs Antonio Soriano, Matías Rouaux y Damián Betular. 

 

Un encuentro íntimo con Gustavo Santaolalla en el marco de su tour #Desandandoelcamino. El exclusivo evento comienza en el Salón Posadas con un encuentro de charlas y música, seguido por una cena inspirada en el camino “desandado” desde Ushuaia a la Quiaca, en Gioia Restaurante & Terrazas. El menú de tres pasos a cargo de los chefs Antonio Soriano, Matías Rouaux y Damián Betular cuenta con el maridaje de los vinos de la bodega Cielo y Tierra, creada por el músico.

Viernes 14 de septiembre, a las 20 HS. Precio por persona $2500
Para reservas: celebrations.phbuenosaires@hyatt.com

Gustavo Santaolalla es dueño de la bodega Cielo y Tierra, Compositor, Músico, Productor Musical, Documentalista, líder de BajoFondo, propietario de un sello discográfico, Emprendedor, Winemaker y ARTISTA. Es realizador de bandas de sonido para cine, donde ganó 2 premios Oscars por las películas Babel y Secreto en la Montaña. También compone la música para el videogame The Last Of Us. 

 

Además ganó 19 Grammys, 2 Baftas, 1 Golden Globe, Premios Gardel, Premios Konex y muchas más distinciones internacionales. La Revista Time lo nombró como uno de los 25 hispanos más influyentes en Estados Unidos. Durante el 2018 recibió el título de Profesor Honorario de la prestigiosa Universidad de Buenos Aires. Actualmente se encuentra de gira por Latinoamérica presentando su tour #DesandandoElCamino

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Sonia Becce

Sonia Becce

SENTIR EL ARTE

Por Hoornik

Sonia Becce es curadora independiente, argentina, radicada en Buenos Aires. La larga lista de importantes instituciones internacionales que han exhibido sus proyectos curatoriales incluye: Museo Reina Sofía en Madrid; Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn en Washington D.C, New Museum en Nueva York, Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC en México D.F; Espaço Cultural Renato Russo en Brasilia, Museo Nacional de Arte Moderno Carlos Mérida en Guatemala; Museo del Canal en Panamá, Museo Jacobo Borges en Caracas, Museo de Arte Contemporáneo en Santiago de Chile, entre otras.

Tus comienzos en el mundo del arte están vinculados al artista Guillermo Kuitca y su obra. ¿Cómo fueron esos primeros pasos tan decisivos para tu carrera?

A Guillermo lo conozco desde que tenía 14 años. Me lo presentó una amiga en la época en que él estaba haciendo su segunda muestra individual en una galería y nos hicimos amigos. En los 80 había mucha intensidad cultural y también social. En ese momento yo estaba estudiando ingeniería, pero me empecé a interiorizar con el mundo del arte, me interesaba, era curiosa, aunque nunca me imaginé que iba a terminar haciendo lo que hago. Con los años, Guillermo creció mucho muy rápido y empezó a necesitar alguien que lo ayude, así que así arrancamos. Hacía de todo, era cadete, escribía faxes, cartas, respondía llamadas, me encargaba de su agenda. Para mí fue una propuesta lindísima y nada volvió a ser lo mismo. Guillermo ha sido siempre un estímulo muy fuerte; a medida que su trabajo progresaba me fue metiendo a mí en otros mundos. Por ese entonces mi techo era bajo, lo hablamos mucho con él en su momento, y me insistió en que algo tenía que hacer con esto. Me invitaron a participar de los meses previos de la edición de Documenta del año 92 – una de las exposiciones de arte contemporáneo más importantes del mundo que se realiza en Kassel, Alemania cada cuatro años – y acepté ir, empecé a trabajar cerca de los curadores aunque no participaba de las decisiones curatoriales sino que era más bien una oyente, una nube alrededor de los curadores, pero aprendí mucho. Luego llegó una oportunidad de irme a Bard College por un semestre; podría haberme ido por más tiempo, pero en ese entonces tenía un hijo de 3 años y no lo podía dejar, no lo quería dejar. A pesar de la brevedad, esa experiencia produjo grandes cambios, en mí y en las oportunidades que se abrieron a partir de allí. Haber estado cerca de la génesis del trabajo de Guillermo durante tantos años lo considero un lujo. Además de ser un excepcional artista tiene una gran capacidad de elaboración, sus ideas son más amplias que sus obras, de manera que sus consejos y su punto de vista para mí son inconmensurables.

En los últimos años, tu carrera como curadora independiente te ha llevado a participar en decenas de proyectos en todo el mundo. ¿Cómo elegís esos proyectos y qué artistas te acompañarán en cada uno?

 

Cada proyecto es diferente.  Hay quienes me convocan con alguna sugerencia de artista incluida y a partir de eso nos ponemos a trabajar sobre un tema, y otras veces lo propongo yo, con lo cual ya de algún modo está preformateado el proyecto. Elijo los artistas detectando sensibilidades, problemáticas que me interesa trabajar en cierto momento, pienso mucho en el lugar y el país al que va a ir la muestra, las necesidades que existen ahí y en qué podemos aportar a partir de un proyecto expositivo. Evalúo distintos aspectos, el artístico primero y después el geopolítico, para hacer algún señalamiento; lo político no lo esquivo.

 

¿Cuál creés que es el principal rol del curador en un escenario tan amplio como es del arte contemporáneo?

El rol del curador ha ido cambiando a lo largo de los años, es una nominación que no tiene tantísimos años, pero la función sí. Antes tal vez la ejercía un crítico de arte, un historiador, el mismo artista, el galerista o el director de un museo. El curador trabaja de distintas formas. A veces pone en evidencia ciertas problemáticas que detecta y suma aquellos artistas que le parece que se ajustan a eso que quiere contar. Otras veces funciona al revés, tiene un artista en mente que le resulta interesante y arma una retrospectiva o una investigación de cierto período de su obra y después busca exhibirla en espacios que hoy pueden ser muy variados, la sala de un museo, espacios tomados, una fundación, una galería, todo es posible. Después con todo armado, el artistas, las obras y el espacio, queda la tarea no menor de escribir sobre eso e intentar abrir nuevas fuentes de pensamiento, nuevas lecturas, nuevos canales que otros puedan tomar. Lo importante es la circulación, contribuir al flujo de la obra, no quedarse quieto. La plataforma de ARCO2017, creada para la participación de la Argentina en la feria del próximo año en Madrid, es un buen ejemplo de esto. Nuestro objetivo principal es que todos los artistas y profesionales que irán puedan nutrir sus agendas con otros nombres, que tal vez no son a los que están acostumbrados, artistas de distintas generaciones, algunos conocidos y otros desconocidos, y que críticos y curadores de todo el mundo se interesen por sus trabajos, los sumen a sus proyectos porque abordan un tema en el que están trabajando o simplemente escriban sobre ellos.

La entrevista completa se está publicada en la sexta edición de Hoornik. Comprá la versión impresa o descargá la digital de manera gratuita en la tienda de este sitio.

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Rodrigo Alonso

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Rodrigo Alonso

EL ESPECIALISTA

Por Ana Peralta

Asegura Rodrigo Alonso que cuando comenzó a estudiar tenía la intención de ser crítico cinematográfico; había estudiado en el Instituto Nacional de Cinematografía en los ´80 y aunque se había inclinado hacia la teoría y el análisis del cine mudo y experimental, descubrió que mientras más se especializaba más dejaba de interesarle. Ya no había experimentación cinematográfica y los grandes autores estaban desapareciendo. En 1986, la muerte de Andrei Tarkovski, uno de los directores que más lo habían influenciado, pone punto final a esa búsqueda.

¿Cómo fueron tus comienzos dentro del mundo del arte?

Empezó con mi interés por el videoclip; me parecía que a nivel audiovisual era uno de los géneros más experimentales. Nunca se me ocurrió volcarme hacia las artes plásticas porque era un ámbito totalmente desconocido. Vengo de una familia muy humilde, nunca tuve formación artística y hasta ese momento jamás había ido a un museo. Fue recién en 1993 que gracias a Graciela Taquini descubro el videoarte. Me impactó muchísimo, me puse a estudiar y a investigar; entré en contacto con artistas locales y me especialicé teóricamente en el tema. Durante muchos años me mantuve en el ámbito del estudio y de la crítica, hasta que empezaron a surgir oportunidades de armar muestras y exposiciones con criterio curatorial (Bienal de Medellín, 1996; Museo Nacional de Bellas Artes, 1998). Como comencé a dar clases en la universidad siendo estudiante y desde entonces no dejé la docencia, honestamente pensé que nunca iba a salir de ese espacio. Pero de pronto, el videoarte se pone de moda, y las bienales se plagan de video. Repentinamente pasé de ser un desconocido a ser el “especialista” en videoarte. Se me abrieron las puertas de las principales instituciones artísticas, todo el mundo comenzó a llamarme y a proponerme trabajos. Los críticos de arte comenzaron a reconocerme y los artistas venían a presentarme sus proyectos.

Tal vez como consecuencia de este origen sencillo, Rodrigo Alonso relata sus primeras experiencias profesionales así, como una especie de destino que se fue tejiendo en el cruce de una serie de eventos afortunados y un impulso desprejuiciado. En algún momento cuenta, por ejemplo, que dio su primer curso en el Museo Nacional de Bellas Artes tras presentarle un proyecto a Jorge Glusberg, a quién no conocía personalmente; “fue un acto de inconsciencia que me salió bien”.  También recuerda que fue la admiración que sentía por quién había curado una muestra de Berni en Madrid, la que lo impulsó a acercarse a Laura Buccellato en una exposición de videoarte y presentarse. “No tenía idea de quién era Laura, ni siquiera sabía que era la subdirectora del ICI (Instituto de Cooperación Iberoamericana).

Pero ella me preguntó sobre mis actividades y me pidió que le acerque los textos que había escrito sobre videoarte. Después me propuso hacer algo en el Instituto.”

La prolífica carrera de más de 20 años que lo posiciona como uno de los curadores y críticos de arte más importantes de habla hispana demuestra que, si hay un hilo conductor en la carrera de Rodrigo Alonso, no ha sido el de las coincidencias o el azar, sino la suma de un agudo y consistente sentido del profesionalismo, una implacable vocación de estudio y su extraordinaria capacidad para traducir una extensísima teoría en una práctica fértil.

Conceptualmente podríamos decir muchas cosas acerca del arte, pero: ¿qué es el arte para Rodrigo Alonso?

El motivo por el cual muchas veces parece que no nos ponemos de acuerdo en cuanto a la valoración de la obra artística tiene que ver con dos complejidades convergentes. La primera, es que en verdad hay muchas definiciones de arte que dependen de los campos disciplinares desde los cuales se las aborda. Desde una visión antropológica de la cultura, por ejemplo, el arte es la necesidad de expresión del hombre y, como símbolo de esa cultura, expresa relaciones externas. Desde una perspectiva filosófica, el arte es un espacio de exploración del pensamiento. Personalmente entiendo el arte como profesión; un espacio donde trabajan y confluyen distintos profesionales que van desarrollando un producto estético. Según donde esté puesta la mirada, será como se evalúe la producción artística. Una segunda complejidad es que también hay distintas nociones sobre el arte al interior de su propio campo. No es lo mismo el arte moderno, que está basado en ciertos valores estéticos que pueden distinguirse con claridad, que el arte contemporáneo, donde esos valores ya no existen. De la imposibilidad de decodificar esta trama compleja que constituye el arte contemporáneo, a partir de los últimos años en la década del ´80 surgen los nuevos protagonistas del arte: agentes, curadores, galerías. Todos juntos van construyendo una noción de qué es el arte contemporáneo y qué es lo más interesante dentro de esa producción. La noción de arte se construye discursivamente, en un espacio de diálogo, donde la obra es un punto de confluencia dentro de toda esa red de relaciones.

Haciendo una recorrida por tus trabajos más significativos encontramos un marcado interés por el videoarte y el arte tecnológico en tus comienzos; el net art latinoamericano después; arte social, político y comunitario más recientemente. ¿Qué es lo que te interesa en la actualidad?

Empecé con el arte tecnológico básicamente porque estudié química primero y después arte; de la unión entre la ciencia y el arte nació mi interés por el arte tecnológico. Pero este terreno llegó a presentárseme como una suerte de gueto; son pocos los artistas que se dedican a él y me vinculé con casi todos, por eso en un momento sentí que ese espacio era limitado. Actualmente me dedico al arte contemporáneo en un sentido más amplio. Me interesa mucho la producción joven, saber cuáles son los rumbos nuevos dentro de la escena actual. Forma parte del rol característico del curador ese “descubrir” o darse cuenta hacia dónde va la producción artística. También hago muestras históricas, me dedico en particular a todo el arte que es posterior a la década del ´60, porque es ahí cuando empieza el germen de lo contemporáneo y lo que sucede en esos momentos es lo que nos permite comprender lo que está pasando ahora e intuir el futuro de la producción actual. Por ejemplo, en Sistemas, acciones y procesos, 1965-1975 (Fundación Proa, 2011), se ponía de manifiesto cómo el interés por el arte conceptual – es decir, el que da prioridad a las ideas sobre la realización material de las obras – fue paralelo al acercamiento a los desarrollos científicos de la época; en este momento, el video y el arte tecnológico hacen su aparición en la escena artística contemporánea.

Rodrigo Alonso

Algunas de sus muestras curatoriales más recientes son: ¡Afuera! Arte en espacios públicos (Córdoba, Argentina, con Gerardo Mosquera, 2010), Tales of Resistance and Change (Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, 2010), Situating No-Land (Slough Foundation, Philadelphia, 2011), Arqueologías a destiempo (Galería Gabriela Mistral, Santiago de Chile, 2012), Pop, realismos y política. Brasil/Argentina. 1960s (Fundación Proa, Buenos Aires; Museo Oscar Neimeyer, Curitiba; GAMEC, Bérgamo; Museo de Arte Moderno, Río de Janeiro, 2012-2013, con Paulo Herkenhoff), Biomediations (CENART, Laboratorio de 

Arte Alameda, México DF, 2014, junto a Sarah Cook), El museo de los mundos imaginarios (Museo de Arte Contemporáneo, Mar del Plata, 2014), Volátil felicidad. Relatos inmateriales de los noventas (Parque de la Memoria, Buenos Aires, 2015). En 2011 fue curador del Pabellón Argentino en la 54 Bienal Internacional de Arte de Venecia.

La nota completa fue publicada en HOORNIK #1. La edición digital se puede descargar ingresando a la sección TIENDA dentro de este sitio web.

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