Aerocene Pacha por Tomás Saraceno

Aerocene Pacha por Tomás Saraceno

En colaboración con Connect, BTS, Aerocene Pacha en Jujuy

La culminación del proyecto de Studio Tomás Saraceno en colaboración con CONNECT, BTS Aerocene Pacha sigue consagrando a Tomás Saraceno como uno de los artistas latinoamericanos más audaces e imaginativos de su generación.

El proyecto de documentar el vuelo une pasajere usando solo energías atmosféricas desafía la clasificación: Es tanto arte ambientalista, hazaña de ingeniería y propuesta de curación de un director de arte de K-pop.

Pero la participación de CONNECT, BTS propone una premisa central que define todas las partes de lo que sucedió en Salinas Grandes el 28 de Enero: “la común unidad; la comunidad.”—Así lo expresó Ruben “Chino” Galián de Inti Killa de Tres Morros, quien terminó siendo un colaborador clave de este proyecto global que se presentó en su localidad de Salinas Grandes.

 

Si desglosamos el trabajo presentado en el Centro Cultural Kirchner encontramos que se trata de una colaboración entre tres organizaciones que cumplen cada una un rol distinto: La Fundación Aerocene, encargada del vuelo del Arocene Pacha, la comunidad investigativa Vuela con Aerocene Pacha a cargo de articular el mensaje de la “posibilidad de cohabitar la Tierra de manera ética y sostenible”, y la iniciativa global Connect, BTS cuyo rol en este caso es el de producir la conexión y el trabajo en conjunto de las otras dos organizaciones. 

El vuelo de la escultura voladora marca no solo el primer vuelo humano libre impulsado por el sol, pero también un anhelado hito en la carrera artística de Tomás Saraceno, que lleva 20 años persiguiendo el sueño de volar sustentablemente. Un sueño que por cierto, lo llevó a instancias extremas como fracturarse la espalda en un intento de volar usando un globo aerosol fabricado con bolsas plásticas recicladas. Los colaboradores del Studio Tomás Saraceno reciben la culminación de su trabajo con una profunda emoción a través de la piloto Leticia Márquez, quien aterriza como la campeona que canaliza la euforia de la proeza y como múltiple batidora de récords mundiales. El Studio Saraceno además se ocupó de una serie de producciones audiovisuales que documentan el vuelo con el objetivo de “ver el lanzamiento a través de varias miradas”. El listado de cineastas incluye a Gastón Solinsky, Maxi Liana, Diego Belaunzaran Colombo, Matias Arturo Tarres, Julia Solomonoff y Ana Quiroga por Canal Encuentro, además del equipo audiovisual del Studio Tomás Saraceno. 

Además, la comunidad Vuela con Aerocene Pacha es fundada con el objeto de integrar puntos de vista heterogéneos sobre el proyecto de Connect, BTS y Aerocene. Y en este contexto se invita a las comunidades indígenas de la región a participar en conjunto con la socióloga especialista en extractivismo y derechos humanos. Los representantes de las comunidades indígenas de Tres Pozos, Pozo Colorado, San Miguel del Colorado e Inti Killa de Tres Morros, quienes encuentran coincidencias entre el ethos ambientalista de Aerocene y su tradición de vida en armonía con el medio ambiente articulan un mensaje de protesta contra la explotación de los recursos naturales a través de la minería que se manifiesta en el Aerocene Pacha con el lema “El agua y la vida valen más que el litio”. 

CONNECT, BTS por su parte es una iniciativa global de curadores en Berlín, Londres, Buenos Aires, Seúl y Nueva York con el fin de conectar individuos alrededor del mundo, bajo la propuesta filosófica de BTS “Centrada en la diversidad, el amor y el respeto por la periferia. El credo de BTS se encuentra totalmente permeado en el discurso del megaproyecto Vuela con Aerocene Pacha y es constantemente enfatizado por todos sus colaboradores, sean parte del equipo de Saraceno, el enviado de BTS Daehyung Lee, o algún integrante de las comunidades indígenas locales.

 

En el dia del despegue casi 500 personas se reunieron para ser testigos del hecho en Salinas Grandes, y luego de un desayuno ofrecido por las comunidades locales y de un ritual de agradecimiento a la Pachamama, el globo comenzó a llenarse de aire cada vez más caliente y la piloto logró dar sus primeros pasos en el aire, finalmente elevándose a una altura de 173 metros y recorriendo una distancia de 1,7 kilómetros antes de aterrizar.

Tal vez los más críticos,  se arriesgarán a decir que la obra de Saraceno en esta etapa puede parecer un poco autocomplaciente, sin embargo la hazaña del Studio Tomás Saraceno es sin lugar a duda un enorme paso en la dirección correcta hacia una cultura menos destructiva del ecosistema, y BTS también llega al 2020 posicionado como una fuerza global unificadora que busca romper con estructuras arcaicas de xenofobia, o como parafrasea Tomás Saraceno “Nuestro aterrizaje aquí es un pequeño paso en el aire y un gran salto para el planeta y su clima”.  

Nota por: Iván Martinez Autin y Camila Tapia San Martin

Nicola Costantino

Nicola Costantino

Creadora de experiencias artísticas y gastronómicas Textos: Marina Oybin Fotografías: Gentileza de la artista inolvidables

En un bosque exuberante, exótico, alucinado, cuatro performers, que repre- sentan a seres andróginos, llevan atadas a modo de máscaras antigás la obra Trilogía de bocas (una boca humana de la que sale un hocico de chancho del que cuelga un cogote de pollo), una escultura que Nicola Costantino realizó en 1997.

Con regaderas, los seres andróginos llenan con brebajes verdosos flo- res de cristal que son copas. Uno puede tomar sopas frías de palta con leche de coco, de yogurt y menta o de pepinos, albaca y limón, en esas copas con tallos largos como juncos. Entre esculturas de orquídeas gigantes, un árbol en 3D ofrece frutos de cristal soplado rellenos con gazpacho. 

Foto de la página opuesta: Trilogía de bocas . 1997. Calco del natural de pollo, cerdo y boca humana en silicona.

“Hay plantas carnívoras de las que cuelgan cuencos con rolls. Hay que dejar el protocolo de lado: aquí se come en cuencos de metal, con las manos y con pinzas. El té se sirve en recipientes que son como lámparas de Aladino, diseñados por la artista, quien también construyó una marmita de hierro como las que usaban los alquimistas”.

Costantinopla. Acción gastronómica.
Costantinopla. Acción gastronómica.

 

Con barroquismo inigualable, Costantino logró subvertir el protocolo. El acto de comer, un ritual compartido y reglado —desde la forma de cocción de los alimentos, la presentación y el orden en el que se sirven hasta el modo en que deben tomarse los utensilios—, aquí deviene experiencia singular. Con alimentos con formas y diseños orgánicos (hongos, flores, frutos, huevos, pimientos de piquillo con forma de lenguas, entre otros), el banquete de Costantino es una experiencia gastronómica y artística inolvidable para los comensales. La pantagruélica cena tiene como elemento central la fuente de la vida de El jardín de las delicias de El Bosco, un símbolo clave en la obra de Costantino (que incluyó también en la instalación El verdadero jardín nunca es verde, en la galería Barro, en 2016). “Si bien la gastronomía evolucionó, la raíz es muy conservadora, incluso la de los mejores chefs. Siempre te sentás a la mesa con cuchillo, cuchara y tenedor. A mí me interesaba dinamitar todo eso: hacer de la experiencia gastronómica algo descontracturado, desestabi- lizante, que lleve a romper algunas convenciones”, cuenta Costantino en diá- logo con Hoornik.

Bajo esa premisa, y con ingredientes que se venden en cualquier repostería en Argentina, Costantino convirtió sus creaciones gastronómicas en arte efímero hipnótico. Con rigurosidad en las proporciones y temperaturas, tras investigar durante mucho tiempo características físico – químicas, sabores y tonalida- des de los ingredientes, logró hacer postres con tramas psicodélicas. “Pueden salir formas inesperadas: responden a un orden que no manejo totalmente y eso es lo que me gusta”, cuenta la artista.

La cena, Muerte de Nicola No1. 2008. Versión mediana: 120 x 180 cm. Edición de 6. Versión grande: 184 x 280 cm. Edición de 3.
Banquete. Acción gastronómica. Art Basel Cities - CCK
Banquete. Acción gastronómica. Art Basel Cities - CCK
Naturaleza muerta. Tapiz 2019. Impresión sobre seda natural 100 x 140 cm Edición de 6

Cómo mirar una Fotografía Por Hansel Huang

Cómo mirar una Fotografía

Por Hansel Huang

Un Investigador privado es contratado para seguir una posible teoría de adulterio. La persecución lo conduce a las olas de una playa en Hawaii.
La voz del detective Poirot en mis oídos, directamente una novel Agatha Christie. Y justo cuando tengo la curiosidad de tomarlo demasiado en serio, todo se funde en el olvido. Así me sentí cuando vi “Movimiento” de Juan Lamarca, un tríptico presentado por la Galería Cur8 en Art Basel, Miami. 
Examino las interacciones de las personas que están surfeando en las fotos y los matices entre las tres piezas. Bajo las olas hay una fuerza de agresión pasiva, algo más grande que la vida. 
Es un momento interesante para reflexionar sobre la forma en que vemos una fotografía, una década después del lanzamiento de Instagram, el medio de la fotografía ha sido fundamentalmente disruptivo. ¿Cuál es la diferencia entre una fotografía que aparece en una pantalla de 15 centímetros y una que permanece en una impresión de 2 metros de alto? 
Sí, el tríptico de Juan Lamarca bien podría verse como un Boomerang si los ojos de la audiencia van de izquierda a derecha y viceversa. Pero la franqueza de colocar las fotografías en una pared en impresiones de 60 x 40 pulgadas tiene una sutileza y astucia que nos deja reflexionando – se niega a ser interpretado pero nos da la libertad de hacerlo – y de todas maneras, la obra sobrevive nuestro análisis. 

Después de dirigir dos galerías, Ashley Ramos comenzó Cur8 para apoyar una lista de artistas cuyas obras hablan por sí mismos. Ashley tiene buen ojo para los disruptores, muchos de los cuales no comenzaron con un background en arte.

 Es una persona que no se deja engañar por la efímera glorificación de la venta. La forma orgánica de cultivar sus relaciones es a través de un crecimiento sostenido. Como ella dice, tiene que sentirse bien. 

Ashley conoció a Juan en un evento social. Estaba impresionada por su serie “Horse Portraits”; “Los las composiciones y lineas son maravillosas “, comenta. “ Cuando nos conocimos Juan me mostró toda su obra en su estudio, y cuando llegamos a su serie de Océanos ¡Toda su persona se iluminó! ”. Ashely me dice que la fotografía de Juan nos desafía a formar nuestras propias opiniones. Conversamos sobre la Biennal de Whitney, que con todas las buenas intenciones y promesas, termino sintiéndose un poco saturado de opiniones. 

“Cuando vemos algo tan específico como el racismo, todos sentimos algo similar. Porque nosotros ya sabemos cómo sentirnos al respecto “, dice Ashley. “Pero ver una pintura de un solo color, por ejemplo, evoca más emociones y te da la oportunidad de respirar y reflexionar”.

Nuestra conversación me recuerda al ensayo de Susan Sontag en 1964, “Contra la interpretación” – “ En todos los casos la interpretación de este tipo indica una insatisfacción (consciente o inconsciente) con la obra, un deseo de reemplazarlo por otra cosa “. 

En un mundo del arte que se ha vuelto increíblemente saturado; la nostalgia es el héroe vulnerable que guía la curaduría de la gran mayoría de las galerías en Basel – no hay arte interactivo por ejemplo. Hay una separación del arte que está demasiado calculada o demasiado bien diseñado (para ser Instagrameable). 

Sin embargo, los trabajos de Juan en el show, ya sea el tríptico “Movimiento” o “The Drop”, propone una inquietante pregunta: cuando algo tan peligrosamente simple está parado frente a nosotros, sin nadie etiquetado, sin ubicación geográfica, sin hashtag, ¿podemos manejarlo? Si la democratización de la fotografía nos ha enseñado cualquier cosa, debe ser su desprecio por la interpretación. 

A Juan Lamarca no le importa mucho nuestra interpretación de todos modos. Es un día típico de surf. Es simplemente un hombre, a quien le gusta surfear olas y capturarlas. 

De movimientos y resplandores

Julio Le Parc, Ondas 110 n8, 1974, Cortesía Atelier Julio Le Parc.

De movimientos y resplandores

Julio Le Parc

Nadie recuerda algo parecido. Julio Le Parc propuso que el público vote si deseaba que la maravillosa obra Esfera azul fuera donada al CCK (Centro Cul- tural Kirchner) por él mismo. El público expresó su opinión favorable y, desde diciembre 2016, la espléndida pieza forma parte del patrimonio de la Nación Argentina; pertenece a todos. El imponente y luminoso móvil está compuesto de 3.500 placas de acrílicos azules translúcidos y tiene 4 m. de diámetro. Las luces del entorno se reflejan en la esfera que, con su movimiento, multiplican y hacen danzar las formas del hall central de antiguo Correo Central donde está emplazada. Las provocaciones y combinaciones ópticas convierten a la pieza en ineludible foco de atracción y dan la bienvenida a los visitantes.

Precisamente, el CCK será una de las sedes del Homenaje nacional a la trayec- toria del consagrado artista -con dirección artística general de su hijo menor Yamil Le Parc, director de Atelier Le Parc (París)- que se realizará conjuntamen- te con el Museo Nacional de Bellas Artes y el Centro de Experimentación del Teatro Colón; coronado con una publicación monográfica sobre su pródiga obra.

DESTELLOS DE UNA BIOGRAFÍA

Investigador del movimiento y de la luz, Julio Le Parc (Mendoza, 1928) vive en Francia, donde se instaló en 1958 con una beca del gobierno francés, haciendo el viaje inverso de su abuelo paterno que había cruzado el océano a fines del siglo XIX. En París encuentra a muchos expatriados latinoamericanos pero, también, allí conoce a Victor Vasarely, Georges Vantongerloo, entre otros, y se interesa en la exploración de la percepción a través del arte óptico.

Aunque ya había comenzado a experimentar con la abstracción, en Francia toman fuerza sus investigaciones en pinturas que creaban una ilusión óptica. Luego, no se conforma con representar el movimiento, sino que lo incorpora directamente. Incluye en sus obras partes que se mueven a través de meca- nismos motores o manuales, por efectos ópticos y lumínicos, y por las inves- tigaciones para lograr el movimiento, que el viento impulsa en las esculturas al aire libre. La participación y el punto de vista del observador -“sujeto de ob- servación para otros espectadores”- forman parte determinante de su obra. En el inicio, su interés por el arte se profundiza gracias al encuentro con Lucio Fontana -creador del “espacio ilusorio” a través de perforaciones reales en el plano pintado-, que fuera su profesor de dibujo en una secundaria de la calle Cerrito en Buenos Aires, ciudad a la que había llegado a los 13 años con su madre y sus hermanos. Entonces, en los años ’40, también conoce la propues- ta de varios artistas constructivos, que desean eludir la representación de la realidad y las huellas de subjetividad. Por esas cosas del destino, los maestros Fontana y Le Parc coincidieron, a comienzos de 2019, en sendas muestras en el museo Metropolitan de Nueva York.

Hace unos años, en conversación con esta cronista, Le Parc recordó que fue obrero de una marroquinería y que abandonó la enseñanza formal en 1947, no sin antes conocer los murales de las Galerías Pacífico realizados en 1946. Muchos años después, a propósito de una espléndida intervención artística en Plaza de las Artes del Centro Cultural Borges (Galerías Pacífico) confesó que con sus compañeros iba a curiosear mientras los muralistas -Antonio Berni, Juan Carlos Castagnino, Manuel Colmeiro, Lino Enea Spilimbergo y Demetrio Urruchúa- pintaban: “fueron parte de mi formación como artista”. En 1954 ingresó a la Escuela Superior de Bellas Artes deseoso de modificar algunos parámetros del mundo del arte.

El compromiso de cuestionar el papel del arte y del artista en la sociedad se reafirma en 1960, cuando junto a otros artistas, Le Parc funda el Grupo de Investigación de Arte Visual (Groupe de Recherche D’Art Visuel). En su mani- fiesto sostienen que “la noción del artista único e inspirado es anacrónica”. Fiel a estas palabras, Le Parc es uno de los creadores más accesibles del medio artístico, quizá porque tampoco olvida su origen proletario.

Se destaca tempranamente creando cajas de luz con movimiento, pero no deja la pintura y en 1966 obtiene el Gran Premio Internacional de Pintura Bienal de Venecia, con obras que crean la ilusión de movimiento por la repetición en serie del mismo motivo plástico, por las sutiles variaciones en tamaño, forma, fondos.

 

Julio Le parc 3
Continuel mobile, 1965/2013, palais de Tokyo, Paris

Las citadas piezas, junto Esfera azul de CCK y la recién instalada Mobile Sphère Orange en Fundación Atchugarry (Punta del Este), inducen a la dislocación de la visión y permiten verificar cómo, según la circulación de los observadores, varían las relaciones entre geometría, espacio y cuerpo, entre colores y for- mas vibrantes.

Su firma y diseños son cada vez más requeridos. El desarrollador Jorge Pérez instituyó el premio de escultura “Julio Le Parc”, que ganó en 2017 la artista argentina Marie Orensanz. Rutini Wines ideó el vino Antología Julio Le Parc, con racimos de malbec de su provincia natal, con packaging inspirado en su obra cinética Desplazamiento (1965). En tanto, Colección Amalita (Fortabat) presentó la muestra Variations autour de La Longue Marche, propuesta del artista para Hermès Éditeur para creaciones con copias únicas de pañuelos de seda, a partir de las seis pinturas de formas y colores vibrantes de La longue marche (1974-75).

Forme en contorsion sur trame, 1966
Gouche project coleur n1, 1958

LOS HOMENAJES

Le Parc tiene un sentimiento de inconmensurable alegría por saberse profeta en su tierra. Ahora, en el marco del Homenaje nacional a su trayectoria, el CCK despliega en 3.000 m2 la exhibición inmersiva Julio Le Parc. Un visionario, con curaduría de Gabriela Urtiaga. La retrospectiva recorre 60 años de investi- gación con la luz, la pintura, la escultura y experiencias participativas.

A propósito de su obra -“gran sinfonía de luz en movimiento”, en palabras del experto en arte latinoamericano Hans-Michael Herzog-, en la fantástica sala sinfónica la Ballena azul, el maestro sostendrá un diálogo creativo con el ce- lebrado pianista y director de orquesta Daniel Barenboim. No es casualidad, la musicalidad de su trabajo hace inevitable el Proyecto Le Parc, caracterizado como un encuentro de las artes visuales y la música en el Centro de Experi- mentación del Teatro Colón.

Otra parte del homenaje se desarrolla en el Museo Nacional de Bellas Artes, al que el artista vuelve tras su retrospectiva del año 2000. El Pabellón de ex- posiciones temporarias exhibe Julio Le Parc. Transiciones Buenos Aires-París, 1954-1959 con curaduría de Mariana Marchesi. Son obras históricas realizadas antes de su viaje a París, en las que se percibe cómo tras iniciarse en la figura- ción asoman sus investigaciones hacia la abstracción.

Así las cosas, es evidente que acertó la adivina pelirroja que, cuando Le Parc tenía 17 años, le auguró muchos viajes y éxitos.


Bs.As. Argentina 

hi@hoornik.com.ar

hi@hoornik.com.ar

La comunidad y las artes visuales

Fotografía de José Ángel Mateos

La Comunidad y las Artes Visuales

Cuando se creó el Monte de Piedad el 23 de mayo de 1878 -casa de empeño y antecedente del Banco Municipal y del actual Banco Ciudad-, Buenos Aires no había sido federalizada. “El contorno total del país estaba aún por definirse. Surgió para combatir la usura mediante préstamos de dinero sobre objetos diversos a un interés menor que el de plaza, orientado a actuar sobre las di- ferencias sociales”, tal como reza la historia del Banco, que tiene Biblioteca y Museo Histórico del Banco Ciudad “Monte de Piedad”, en Boedo 870.

¿Habrán imaginado sus fundadores que con el correr de los siglos el Ban- co Ciudad incluso tendría una importante incidencia en las artes visuales? El Banco Ciudad y su Fundación multiplican sus acciones en relación al arte. Más allá de las obras empeñadas u ofrecidas en los remates (a la vista en Esmeral- da 660), realizan muestras, auspician otros espacios, compran obras, organizan concursos y otorgan premios.

Nicolino Locche por Martha Pelu o.

Por caso, en homenaje al centenario del nacimiento del líder sudafricano Nel- son Mandela en 2018, el Banco Ciudad y su Fundación, junto a Fundación La Nación, donaron a la Ciudad un retrato hiperrealista realizado por Javier de Aubeyzon.

A propósito de arteBA, como hace años el Banco tiene presencia en la feria con un stand y forma parte del programa de adquisiciones para museos na- cionales. Las muestras individuales -como las de Olga Autunno y Lucía Pacen- za en 2018 o las programadas para 2019: Alicia Díaz Rinaldi. Graciela Zar, Jorge Álvaro, entre otros- se realizan en el espacio Caja de Cristal de la casa matriz, Florida y Sarmiento.

José Ángel Mateos.

Las exposiciones colectivas se vinculan con los premios que organizan, como las del popular concurso fotográfico Gente de mi ciudad, abierto a profesionales y/o aficionados de la fotografía artística. Las seleccionadas, entre 5.000 presentadas el año pasado, capturan la vida misma, retienen en sus fotografías usos y costumbres, aspectos del patrimonio cultural y arquitectónico porteño, escenas de la vida cotidiana en León de La Boca, 2018, de José Ángel Mateos.

Tras ser exhibidos, los Premios Adquisición Banco Ciudad pasan a engrosar la Colección que suma 256 obras marcando momentos importantes del arte argentino. Tiene como propósito “favorecer la visibilidad y circulación de las obras, que se completan con la mirada del observador”, entre ellas la de Mar- tha Pelu o; aquí Nicolino Locche, 1969.

La Colección suele viajar por la ciudad y distintos puntos del país. En noviem- bre pasado, el Museo Nacional de Bellas Artes organizó Colecciones en diá- logo, un encuentro entre obras pertenecientes a los patrimonios del Museo y del Banco, que exhibió, entre otras, pinturas de Horacio Butler, Juan Carlos Castagnino, María Martorell con una investigación geométrica abstracta: Para- lelas en movimiento, 1971. Piezas de consagrados y novísimos de la Colección -Antonio Berni, Nicolás García Uriburu, Diego Bianchi, Pablo Ziccarello, entre otros- viajaron al Museo de Arte Contemporáneo de Salta para participar en Figurados: de la nueva figuración a la fotografía escénica, una conversación entre pintura y fotografía.

Tras su remodelación, la FotoGalería del Teatro San Martín, creada por Sara Facio, fue renombrada como FotoGalería Banco Ciudad – Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530). Un nuevo comité curatorial conformado por los recono- cidos fotógrafos Rosana Schoije , Bruno Dubner y Ariel Authier puso en valor imágenes blanco y negro de Lucrecia Plat y Carlos Guinzburg.

Lucrecia Prat

“Personal Structures-Identities” por el European Cultural Centre durante la Bienal de Venecia

EXPOSICIÓN PERSONAL STRUCTURES - Identities

European Cultural Centre

La quinta edición de la exposición de arte  en el marco de la bienal de Venecia “PERSONAL STRUCTURES” – IDENTITIES (11 de mayo – 24 de noviembre), organizada y apoyada por el European Cultural Centre de Italia, pronto abrirá al público . La exhibición será inaugurada los días 9 y 10 de mayo de 6:00 pm a 10:00 pm en Palazzo Mora y Palazzo Bembo y de 5:00 pm a 8:00 pm en Giardini Marinaressa. Junto a las inauguraciones, se llevarán a cabo una serie de performances y charlas organizadas por los artistas en nuestras locaciones.

La exposición presentará una amplia selección de obras de artistas emergentes, artistas reconocidos internacionalmente, fotógrafos, escultores y proyectos de instituciones académicas de todo el mundo, ilustrando las diferentes reflexiones subjetivas sobre los tópicos  “Tiempo, Espacio y Existencia” y sobre el concepto de identidad.

El resultado es una exhibición grupal heterogéneo y estimulante que tiene como objetivo generar pensamientos y reflexiones sobre nuestras vidas.

Desde 2002, el proyecto “Personal  Structures” ha sido concebido no solo como una plataforma abierta donde los artistas pueden presentar sus obras, sino también como un centro cultural donde se documenta y promueve el arte contemporáneo a través de exposiciones, simposios y publicaciones.

Nos complace revelar la selección final de los artistas participantes en  “PERSONAL STRUCTURES – IDENTITIES”

PERSONAL STRUCTURES – Identities (11 de mayo – 24 de noviembre de 2019) horario de apertura:

Palazzo Bembo y Palazzo Mora: 10:00 am – 6:00 pm. Cerrado los martes. Entrada libre.

Giardini della Marinaressa: 10:00 am – 6:00 pm abierto todos los días. Entrada libre.

Preview de prensa (bajo pedido): 9 y 10 de mayo de 2019, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m.

Evento de apertura: 9 y 10 de mayo 6:00 pm – 10:00 pm  Palazzo Mora y Palazzo Bembo

 5:00 pm – 8:00 pm Giardini della Marinaressa

¨Andrea Fried, participa con su obra Austerity en el Palazzo Bembo, Riva del Carbon #4793.¨

Además, ECC-Italia se complace en presentar nuevamente una selección de pabellones nacionales de La Biennale di Venezia. Este año renovamos la colaboración con los países de Seychelles y Kiribati y tenemos el honor de presentar por primera vez el Pabellón de Mozambique en el Palazzo Mora.

Las inauguraciones de los pabellones contribuyen a enriquecer el programa de charlas y actuaciones organizadas por los artistas de Personal Structures para las jornadas de apertura. Te invitamos a ver a todo el programa.

PALAZZO BEMBO

Ika Abravanel (ISR) • Detlef E. Aderhold (DEU) • Mark Amerika (USA) • Anoma (LKA) Nobuyoshi Araki (JPN), • Murielle Argoud (CHE) • Art Gallery Tolstoy (RUS) • Atelier Morales (FRA) • Cheryl Goldsleger – Augusta University (USA) • Laila Azra (IDN/SGP) Mario Basner (USA) • Curator’s Voice Art Projects (USA) • Manfred Bockelmann (AUT) Francois Bonjour (CHE) • Annette Bonnier (USA) • China Blue (USA/CAN) Solan Chiu (HKG) • Vio Choe (KOR) • Jeongyun Choi & SON IL (KOR) • Young Min Choi (KOR) • Lori Cuisinier (USA) • Deakin University – David Cross and Cameron Bishop, Public Art Commission (AUS) • Giò Di Busca (CHE) • John Doing (CHE) • Nina Dotti (YV) • EVA (RUS) • Andrea Fried (ARG) • Hideharu Fukasaku (JPN) • Justin Garcia (USA) • Sarah Gold (NLD) • Christopher Griffith (USA) • Marinka Groendel (NLD) • Teo Chai Guan (SGP) • Tilney Hardiment (GBR) • Camomile Hixon (USA) • Julie Hsieh – Yen-Fu Kuo & Chien- Hsing Lien (TWN) • Hélène Jacubowitz (BEL/ISR) • Xuan Jing & Sharon Tsai (TWN) Ervin A. Johnson (USA) • Georges Kachaamy – American University of Dubai (LBN), Jessica M. Kaufman (USA) • Virginia King (NZL) • Helen Kirwan (IRL/GBR) • LL Editions Sam Nhlengethwa, Nandipha Mntambo, Blessing Ngobeni & Mbali Dhlamini (ZAF/SWZ) Sérgio Leitão (PRT) • Eric J. Lee (USA) • Zinaida Lihacheva (UKR) • Sherman Lin (CHN) Davor Ljubicic (DEU) • Olga Lomaka (RUS) • Frank Mann (USA) • Arnaud Nazare-Aga (FRA) • Karl Ohiri & Riikka Kassinen (GBR/NIG & FIN) • Hans Christian Ohl (DEU) • Helga Palasser (AUT) • Martina Reinhart (AUT) • Jim Rattenbury (ESP) • Orestis Seferoglou (GRC) • Claudia Schildknecht (CHE) • Eva Schjølberg (NOR) • Tineke Smith (NLD)

Wanda Stang (DEU) • Wendy Steiner (CAN/USA) • Betty Susiarjo (IDN) • Hanna Ten- Doornkaat (GBR) • Gotlind Timmermanns (DEU) • Lincoln Townley (GBR) • Federico Uribe (COL) • Dr. Héctor Valdés (CHL) • Marc Vinciguerra (USA/FRA) • Wendy Wahl (USA) Wild Flag Studios (CAN/GBR/USA) • Salma Zulfiqar (GBR).

PALAZZO MORA

Aamir Habib & Noor Ali Chagani – Antidote Art & Design (PAK) • Academy of Fine Arts in Warsaw (POL) • Emiko Aida (GBR) • Leca Araujo (BRA), (AU) – Arvee, Meg den Hartog Naerebout, Vanhorck (NDL) • Petra Barth (USA/DEU) • Katerina Belkina (DEU) • Patrick Bermingham (CAN) • BIRDSEYE – Brian J. Mac, FAIA (USA) • Marcus Bleasdale (GBR) William Bloomfield (USA) • Eyenga Bokamba (USA) • Peter Bracke (BEL) • Aliette Bretel (PER) • Brooklyn NY Art Wave (JPN/USA) • Christopher Capriotti (USA) • Adriana Carambia (ARG) • Esteve Casanoves (ESP) • In Hyuk Choi (SKO) • Insook Choi – Salford University (KOR/UK) • Bob Clyatt (USA) • Jacopo di Cera (ITA) • Barbara Downs (USA) Mark Dziewulski (UK) • Alberto Echegaray Guevara (ARG/ESP) • EVA & ADELE (DEU),VALIE EXPORT (AUT) • Feromontana (AUT) • Jared FitzGerald (USA/CHIN) Puma Freytag (CAN), Andras Gal (HUN) • Erin Genia – MIT (USA) • Beatriz Gerenstein (USA) Sarah Gold (NLD) • Elena Gual Baquera (ESP/GBR) • Gunnar Gundersen (NOR) • Joan M. Hall (USA) • Karin Hannak (AUT) • Carl Martin Hansen (NOR) • Kathryn Hart (USA) Juergen Haupt (DEU) • Elizabeth Heyert (USA) • HIHEY (CHN) • Yumiko Hirokawa (JPN) Ania Hobson (GBR) • Jean-Marc Hunt (GLP) – Joël Nankin (GLP) & François Piquet (GLP) • IMAN – Instituto Mazeredo de Arte Nova (BRA) • Jon Jaylo (USA) • Igor Josifov

(MKD) Shunsuke Kano (JPN) • Lina Karam (FRA) • Azad Karim (SVN) • Miwako Kashiwagi (JPN) • Nadia Kisseleva (RUS) • Ute Krautkremer (DEU) • Jan Kuenzler (DEU) Anne Kuhn (FRA) • Marietta Patricia Leis (USA) • Ping-Cheng Liang (TWN) • Norma E. Lopez (COL) Loughborough University (GBR) • Lorenzo Maria Monti (ITA) • Stephan Marienfeld (DEU) Walter Markham (USA) • Marcello Martinez Vega (DEU/ECU) • Walter McConnell (USA) Joseph McDonnell (USA) • Chris McMullen (USA) • Pamela Merory Dernham (GBR) – Cyrus Tilton (GBR) & Sanjay Vora (GBR) • James Michalopoulus (USA) Lorenzo Maria Monti (ITA) • Niwako Mori (JPN) • Müller & Sohn Art Projects (DEU) Museum of Contemporary Art of Castilla la Mancha (ESP) • Soraya Abu Naba’a (DOM) Raffy Napay (PHL) • Jackie Neale (USA) • Hermann Nitsch (AUT) • Reka Nyari (USA) Jan Oberg (SWE) • Natalia Ohar (UKR) • Yoko Ono (JPN) • Roman Opalka (POL) • Gregory Orekhov (RUS) • David Pace (USA) • Tomasz Padło (POL) • PAPER Pavilion (GBR) Maria Pavlovska (RUS) • Daniel Pešta (CZE) • Christine Kowal Post (GBR) • POW Ideas (MYS) Olga Marie Polunin (SGP) • Martin Praska (AUT) • R. Berte & Dr. M. Proepper (DEU) PSJM (ESP) • Arnulf Rainer (AUT) • Lilibeth Cuenca Rasmussen (DEN) Patricia Reinhart (USA) • Rene Rietmeyer (NLD) • Iggy Rodriguez (PHL) • Herb Rosenberg (USA) • Yoshiko Saito (JPN) • Brigitte J. Schaider (DEU) • Sarah Schrimpf (DEU) • Joakim Sederholm (FIN) • Martine Seibert-Raken (DEU) • Bianca Severijns (NLD/ISR) • Antonio Sorrentino (ITA) • Samuel Stubblefield (USA) • Studio Palazzo Inzaghi – Irmfried Windbichler, Ruth Riedl & Jolana Skacel (AUT/EU) • Isaac Sullivan (USA) • Sung-Kyun – Goo & Vania Oh (KOR) • Merab Surviladze (BEL) • Toto Takamori (JPN) • Sho Tsunoda (JPN) • Katja Tukiainen (FIN) • Urban Studies Lab – UDDI – Federico Puggioni (THA) • Judith Unger (USA) • Guy Van den Bulcke (BEL) • Sanja Vatic & Daniela Danica Tepes (SVN) • Arika Von Edler (USA) • Maxim Wakultschik (BLR/DEU) • Val Wens & Tony Bond (IDN/AUS) Ariela Wertheimer (ISR) • Willem de Kooning Academy (NLD) • Maria Wolfram (FIN) • Lu Xinjian (CHN) • Rada Yakova (NLD) • Karou Yamamoto & Kouji Ohno (JPN) • Purvis Young (USA) • Andre Chi Sing Yuen (DEU) • Meng Zhou (CHN).

GIARDINI DELLA MARINARESSA

Masoud Akhavan (IRN) • Carole Feuerman (USA) – Laurence Jenkell (FRA/ISR) • Idan Zareski (FRA/ISR) presented by Bel Air Fine Art, Richard Bell (AUS) • Nadim Karam (LEB) Anton Kerscher (DEU) • Georg Loewitt (AUT) • Olga Lomaka (RUS) • Clifton Manghoe (NLD) • Manuela Mollwitz (DEU/CHE) • Kumari Nahappan (SGP) • NONOS – Mercedes & Franziska Welte (DEU) • Gregory Orekhov (RUS) • Andreas Rimpel (DEU) • Barbro Raen Thomassen (NOR) • George Tobolowsky (USA) • Tristan Vyscok (FRA) • Maritta Winter (DEU/CHE).

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arteBA 2019

Deja los motores encendidos para un gran año en el mercado del arte

“Me acerqué en esta oportunidad a arteBA con las expectativas muy bajas, había percibido el cambio de layout (diseño) en un formato más reducido y la modificación de fecha del evento como algo negativo, pero me voy gratamente sorprendido, fue una gran edición”, comenta entusiasmado un coleccionista local a pocos minutos del cierre. Y no es para menos, las galerías se esforzaron y sacaron a relucir interesantes propuestas de maestros de la pintura y artistas consagrados como Antonio Berni, Rogelio Polesello, Emilio Petorutti, Carlos Gorriarena entre muchos otros. También se destacaron obras de artistas contemporáneos de la talla de Tomás Saraceno, Mondongo, Leandro Erlich, Eduardo Basualdo, Mariana Tellería y Diego Bianchi, para mencionar algunos.

La feria de vivió con un clima de optimismo y alegría, al pasar por los stand del pabellón principal, se observaban las sonrisas de los galeristas y recambio de obras debido a la venta de las anteriores. “Si cierro hoy, ya me voy contento”, decía contento el dueño de una galería de arte contemporáneo luego de vender cuatro importantes trabajos en el primer día. Durante esas horas. también,se adquirieron piezas en otros espacios de Mariana Telleria, Tomás Saraceno y Adriana Minoliti.

 

Basualdo

Otra noticia que fue motivo de festejo, fue la venta de la obra más cara de la historia de feria. Se trata de un mural que Jorge de La Vega realizó en 1967 de 7 metros de largo por 2 de alto. Fue obtenido por U$S1.350.000.

En cuanto a las ventas institucionales, algunos ejemplos son: el Malba compró cuatro fotografías de George Fridman y una escultura de Diego Bianchi. El Museo de Bellas Artes de San Juan sumó a su colección una pintura de Marcia Schvartz, mientras que el Museo de Arte de Lima compró, Yo tengo SIDA, del colectivo Fabulous Nobodies, integrado por Roberto Jacoby y Kiwi Sainz.

 

Basualdo

arteBA es uno de los eventos más importantes de Latinoamérica. Está pensada tanto para los cientos de coleccionistas extranjeros y locales que guardan un espacio en su apretada agenda como para miles de argentinos ávidos consumidores de cultura que quieren conocer qué está pasando en el mundo del arte año tras año.

Teniendo en cuenta a este último segmento, la feria fue acompañada por la Semana del Arte, con más de 46 muestras que se pudieron ver de manera gratuita, Faena Art Festival, MAPA y un programa de charla de Art Basel Cities. “El objetivo es potenciar ese ecosistema cultural que nos hace únicos¨ concluyó el Ministro de Cultura de la Ciudad Enrique Avogadro.

 

Resultó un gran acierto disponer un pabellón separado para los artistas jóvenes, nueva sección que se le dio el nombre de Utopía Bombay Saphire. Este cambio hizo posible que tanto el arte consagrado como el emergente se puedan desarrollar con autonomía y potencien su contenido. También fue muy bien recibida en el mundillo del arte que Amalia Amoedo sucederá a Alec Oxenford en la presidencia de la fundación y hay muchas expectativas al respecto

Con gran cantidad de ventas, aumentó de público y coleccionistas, arteBA 2019 deja encendido los motores del mercado del arte de este nuevo período

 

Art Dubai 2019 Invadida por Latinoamérica y destacados artistas argentinos

Art Dubai 2019

Invadida por Latinoamérica y destacados artistas argentinos

Este año Art Dubai habrá más presencia de arte latinoamericano y está confirmada la participación de tres destacados artistas argentinos. Tomás Saraceno, el artista de las telas arañas y esculturas flotantes, exhibirá un trabajo especial  para la feria. Por otro lado, fueron convocados para participar en la sección de Residencias Luciana Lamothe de la Galería Ruth Benzacar, recordada por las instalaciones de estructuras inestables y desposeídas de ornamento, y Nicanor Araoz de la galería Barro, con sus obras de aspecto espeluznante que parecen salidas de una pesadilla.Fuera del continente americano, otros artistas internacionales que estarán para la ocasión con novedosas producciones serán la francesa- marroquí Chourouk Hriech con un mural a gran escala y la egipcia Heba Amin, que todavía no reveló detalle, entre otros.
La edición 2019 contará con 90 galerías de más de 40 países de todo el mundo. Además, presentará una estructura renovada. A las secciones Contemporáneo, Moderno y Residentes, se le suma Bawwaba, que significa puerta en árabe, con 10 presentaciones individuales de artistas, con su último trabajo o un proyecto que idearon especialmente para la feria. También se tratarán temas de interés internacional en foros simposios y foros como la influencia de la tecnología en la educación.
La edición 2019 contará con 90 galerías de más de 40 países de todo el mundo. Además, presentará una estructura renovada. A las secciones Contemporáneo, Moderno y Residentes, se le suma Bawwaba, que significa puerta en árabe, con 10 presentaciones individuales de artistas, con su último trabajo o un proyecto que idearon especialmente para la feria. También se tratarán temas de interés internacional en foros simposios y foros como la influencia de la tecnología en la educación.

Amplify en Mutek AR

Amplify

LAS MUJERES DEL MUTEK AR

AMPLIFY es una iniciativa ambiciosa que conecta una red activa de 20 mujeres artistas y curadoras trabajando en las artes digitales, realidad virtual, realidad aumentada y proyectos inmersivos de narrativa en Argentina, Canadá, México, Venezuela y Gran Bretaña.

MUTEK es una plataforma para la diseminación y el desarrollo de la creatividad digital en el sonido, la música y las artes audio-visuales. El proyecto está activo en Montreal, Québec, Canadá, desde el año 2000 y hoy en día es una red global con ediciones en México, España, Japón, Estados Unidos, Emiratos Árabes y Argentina.



AMPLIFY se construye sobre conexiones existentes en América y Gran Bretaña, y suma una conversación entre América del Sur y del Norte, para amplificar oportunidades para artistas y curadoras para ganar terreno en un entorno internacional en crecimiento. Conectando diferentes culturas y experiencias, la red activa una plataforma para dialogar sobre accesibilidad, inclusión e igualdad de género entre los profesionales de la industria local e internacional. La red AMPLIFY tendrá lugar primero en el festival MUTEK Montreal, entre el 20 y 26 de agosto de 2018. Las participantes se involucrarán en una serie de talleres, laboratorios creativos, performances y muestras como parte del programa local Keychange, dedicado a empoderar a las mujeres en el ámbito de las artes digitales y la música electrónica, para iluminar, destacar y contribuir al cambio cultural en torno a la inclusión y paridad de oportunidades. A lo largo de 2018-2019 varias de las artistas y curadores que participen del programa AMPLIFY se embarcarán en un tránsito intercontinental que continuará en Buenos Aires y México, para finalmente reconectar con Gran Bretaña, en los Somerset House Studios de Londres.AMPLIFY Buenos Aires | Programa Miércoles 12.09 | Digi Lab x Amplify | Casa MUTEK (Music Hub)19.00H StoryHackers workshop x M. Laura Ruggiero Viernes 14.09 | A/Visions 2 | Sala ab | El Cultural San Martín22.00H Akufen CA | Visuales x Milena Pafundi ARTickets Viernes 14.09 | Play 1 x Artlab | Sala 3 | El Cultural San Martín18.15H France Jobin CA visuales x Prifma AREntrada libre y gratuita. Capacidad limitada Viernes 14.09 | Play 1 Outdoor Stage | Plaza Seca | El Cultural San Martín18.45H Microhm MX pres. Eternal NightEntrada libre y gratuita. Capacidad limitada Viernes 14.09 | Nocturno 1 | La Tangente24.30H Aylu AR Tickets Sábado 15.09 | A/Visions 3 | Sala ab | El Cultural San Martín17.00H Sabrina Ratté & Roger Tellier-Craig CA

18.45H Line Katcho CA pres. Sémaphore + Simulacre
Tickets Sábado 15.09 | Play 2 x Artlab | Sala 3 | El Cultural San Martín19.45H Marija Bozinovska Jones UK20.30H Myriam Bleau CA pres. Soft RevolversEntrada libre y gratuita. Capacidad limitada Sábado 15.09 | Digi Lab | Sala e | El Cultural San Martín19.30H Maia Koenig & Feminoise AR pres. EXEEntrada libre y gratuita. Capacidad limitada Sábado 15.09 | Digi Lab | Sala 1 Microcine | CCGSM (Centro Cultural General San Martín)16.30H AMPLIFY: Simposio. Identificacion y visibilización de colectivos y proyectos para amplificar mujeres, trans y no binaries en las artes digitales x M. Laura Ruggiero AR, Milena Pafundi AR, Maia Koenig AR y más.18.30H Presentation on Somerset House Studios x Marie McPartlin UKEntrada libre y gratuita. Capacidad limitada Sábado 15.09 | Nocturno 2 | Punta Carrasco02.30H Magnanime CA + info: http://www.mutek.org/

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Alejandro Pasquale

Alejandro Pasquale

MÁSCARAS VIVAS

Por Hoornik

Alejandro Pasquale nació en Buenos Aires en 1984. Se declara a sí mismo autodidacta, aunque ha pasado formalmente por las aulas del Profesorado en Artes Plásticas en el IUPA (Instituto Universitario Patagónico de las Artes) en la ciudad de General Roca (Río Negro) y el IUNA (Instituto Universitario Nacional de Artes, hoy universidad) en Buenos Aires. 

“Me aburrí muy rápido del formato académico. Nunca me convenció el hecho de tener tanta cantidad de materias y tan poco taller. Como no me interesa dar clases teóricas, no creí que para llevar a cabo la práctica fuese necesario obtener un título”, recuerda el artista. Después de la universidad devino la exploración de maestros y talleres de artistas, entre ellos el reconocido Eduardo Stupía.

Sobre sus Inicios. “Podría decir que comencé desde muy chico, supongo que como para muchos de nosotros el dibujar y pintar fue parte de mis primeros juegos. Pasaba horas concentrado con un mecano de chapa, un camión, y una lata/cartuchera de acuarelas. La pintura y el dibujo reaparecieron fuerte en mi vida a eso de los 16 años, en ese momento vivía en un pueblo al N.O. de Neuquén. No tenía fácil acceso a materiales ni tampoco a internet como para poder ver obras o artistas, así que mi acercamiento al arte fue neutral e intuitivo. Pintaba lo que sea, paneles de madera, telas crudas, cartones, paredes. Con los años dejó de ser un juego y se transformó en una especie de refugio. Empecé a pintar luego de que me llegara a las manos una caja de oleos chinos y me di cuenta que mi interés por la profesión iba por ese lado.”

Sobre sus referentes. “En cuanto a referentes, van muy a la par del momento en el que esté con mi obra. Puedo mencionar muchos artistas que me interesan mucho. Menciono una pequeña lista según me vienen a la mente: Francis Bacon, Francisco de Goya, Michael Borremans, Gerhard Richter, Diego Velázquez, Seurat (más que nada sus dibujos), Liliana Porter, Luc Tuymans, Nan Goldin, Marta Minujín, Lucian Freud, Touluse-Lautrec, Roy Linchestein, Antonio Berni, De La Vega, Alex Katz, David Hockney, E. Hooper, Johannes Vermeer, A. Giacometti, Balthus, Egon Schiele, Franz Gertsch, Chuck Close, Neo Rauch, Caspar D.Friedrich, Mark Tansey. La lista puede ser interminable.”

Sobre sus obras. “En la serie de pinturas y dibujos que estoy haciendo en este momento intento mostrar más allá de un relato físico generado desde los personajes retratados; compongo con la idea de expresar mundos o escenas que son creados a través de la imaginación de los sujetos. En este sentido, utilizo las máscaras que cubren sus rostros como alegoría de la liberación del imaginario. Considero que al esconder parcial o completamente sus rostros, el espectador se hará preguntas y surgirá el “porqué” de la escena en la que están suspendidos. Desde mi concepción de la obra, todo surge a partir de la idea de retratar el momento en el cual aflora la imaginación del observador y se traslada a un cierto lugar, a una situación deseada, a un entorno copado por la naturaleza representada de forma idealizada y con una atmósfera onírica.”

Sobre el arte y los artistas. “Creo que hay artistas excelentes, tanto emergentes como consagrados. En lo personal, me gusta ver que se está volviendo a valorar el oficio en el arte tanto local como global.”

 

Sobre la rutina. “Pinto todos los días, inclusive los fines de semana. Es mi trabajo y lo tomo como tal. Dedico el tiempo y la energía necesaria para producir cada día. Como en cualquier trabajo, algunos días son mejores que otros, pero de ambos se puede aprender y sacar provecho. Por lo general, estoy con dos obras a la vez; desde que trabajo con óleo, el tiempo de secado me obliga a esperar para que no se empaste la pintura. Mientras seca una, trabajo con la otra, y viceversa. El tiempo que tardo el producir cada obra es variable y dependen del material con el que esté hecha, en promedio puedo tardar entre dos semanas y un mes.”

Sobre proyectos futuros. “Estoy preparando mi segunda muestra individual en Galería Quimera; se llamará ´El jardín de los soñadores´ e inaugura a mediados de Octubre y durará hasta finales de Noviembre. Presentaré alrededor de 11 obras (dibujos, pinturas y cerámica) de la serie de las máscaras, de la cual lleva el nombre. La muestra incluye un catálogo en formato librito que incluirá imágenes de mis obras, textos de Bruno Devos (Director de “The importance of being”) y Cecilia Medina (Curadora), entre otros.

Sobre sus galerías. Tengo mi taller en el barrio de Belgrano (Buenos Aires). En argentina me representa la galería Quimera y en París trabajo con la ex directora de Baraudou, Schriqui Galerie.

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